Emmanuel Razo

Neus Solá

Neus Solá Es una fotógrafa documental nacida y afincada en Barcelona. Neus se licenció en Humanidades en la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona (UPF). Después de estudiar Bellas Artes (UB), cursó el Postgrado en Gestión Cultural y Cooperación Internacional (UB) y el Máster en Antropología Visual (UB), complementando sus estudios con varios cursos y workshops de fotografía, vídeo y edición de entre los cuales destaca el curso de Fotografía de Autor de “El Observatorio”. Neus ha trabajado como fotoperiodista para ONGs, movimientos sociales y en proyectos de ámbitos variados. Su interés por las diferentes culturas y la causa social la ha llevado a realizar varios proyectos de fotografía y vídeo documental en varios países, centrando su mirada en temáticas de identidad, género y minorías étnicas desde una perspectiva antropológica.
Su trabajo “Poupées” ha sido seleccionado en Descubrimientos PhotoEspaña 2017 (España) y premiado en varios festivales nacionales e internacionales de entre los cuales destacan el Festival ManifestO (France), el International Women Photographers Award 2017 (Emiratos Árabes) y el Landskroma Foto Festival (Sweden) entre otros

POUPÉES- Neus sola
“Poupées” (muñecas, en francés) es un proyecto de fotografía documental que propone una reflexión sobre los conceptos de identidad y libertad de las niñas gitanas del suburbio perpiñanés de La Cité (Francia), un barrio exclusivamente gitano considerado un de los más pobres de la ciudad..
A su vez, el título “muñecas” funciona como metáfora asociada al sistema patriarcal gitano. Por un lado, haciendo alusión a la inocencia y a la pureza propias de la infancia femenina, elementos estrechamente asociados al gran pilar gitano del honor. Por otro lado, haciendo referencia al concepto de ‘mujer-objeto’ a través de la hipersexualización de estas niñas llevada a cabo en edades muy tempranas. Se trata, pues, de las dos caras de una misma moneda que responde a una construcción social identitaria asociada a la mercantilización y al control social sobre la mujer.

 

Emmanuel RazoNeus Solá
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Julio Eiroa

Julio Eiroa nació en Vigo en 1980. Llegó a la Universidad de Vigo para cursar los estudios de biología y continuar con el doctorado compaginado con el trabajo ejercido en la empresa privada. La relación con la fotografía comienza en los estudios universitarios y continuaron posteriormente durante su etapa laboral La crisis y la necesidad de autorrealizarse le llevaron a tomar una decisión radical. Para entonces ya se había matriculado en las pruebas de acceso para los estudios superiores de fotografía en la Escuela de Arte y Superior de Diseño Antonio Faílde de Ourense. Los buenos resultados continuaron durante los dos años de estudio, mejorando la técnica y la expresión personal. Poco a poco la fotografía fue reemplazando casi totalmente a la biología, hasta el punto de convertirse en la actualidad en su profesión, pero también como medio de expresión como fotógrafo de autor. Su formación es continua y se completa como alumno de fotógrafos tan importantes como José de Benito, Duccio Malagamba, David Jiménez, Óscar Molina o Javier Vallhonrat, entre otros. Destacan, además de múltiples menciones menores, el premio “Proxecto Edición” de la gestora de proyectos fotográficos Copias de Autor en el año 2014. La participación como seleccionado en la feria de fotografía Viphoto de Vitotia en la edición del año 2015 y su recientemente participación en Descubrimientos Photoespaña 2016 o la Feria del Libro de artista de castilla y León, Librarte en 2017.

Sobre la serie de Waste Julio Eiroa comenta: “WASTE es un proyecto que nació en el año 2010. Llevaba ya unos años ejerciendo como biólogo en una empresa de gestión medioambiental y utilizando la fotografía como herramienta cotiadiana de registro. Mi experiencia de vida y mi afición por la fotografía se ligaron conceptualmente ante el abuso medioambiental. Encontré formas y motivos cerca de casa. Durante el año 2010 fotografié objetos abandonados. Lo hice apostando por una coherencia visual con valores formales y visuales concretos. Traté que los objetos tuvieran todo el protagonismo pero quería mantener la personalidad del lugar en el que descansaban. En 2010 di por terminada la serie hasta que en el 2014 decidí mostrarla durante la 1ª Convocatoría del “Proxecto Edición” de la gestora de proyectos fotográficos COPIAS DE AUTOR, donde recibí el primer premio de Libro de Artista”.

Emmanuel RazoJulio Eiroa
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Fernando Escárcega- Fershow


Es Licenciado en Arte y patrimonio cultural por la Universidad Autónoma de México.
En 2010 formó parte del Seminario del Centro de la imagen y recibió el apoyo a la producción e investigación del Centro Multimedia. En 2012 recibió la Beca Jóvenes Creadores del FONCA 2011-2012 con el proyecto NezaYork, que se expuso en 7 países con saltandomuros.org. Por este proyecto obtuvo la mención honorifica Concurso el México de los mexicanos II ,exposiciones y conferencias en diversos espacios como, las Rejas de Chapultepec y el museo de la Ciudad de México. Participó en el documental “20 y más por el Arte” “NezaYork” de Canal22 en 2014, así mismo participó en Artes.Docs. En 2016 obtiene la beca de la residencia artística Kankabal en Mérida (Yucatán).
Ha expuesto individualmente en el Foro La Herida , en la Facultad de Ciencias políticas UNAM y en el Sistema colectivo METRO La Raza. Ha participado en exposiciones colectivas Museo de la Ciudad de México , en Art cage, en la Biblioteca Vasconcelos , en la Galería ICPNA La Molina del Instituto Cultural Peruano Norteamericano de Lima (Perú) , en El Centro Cultural ‘Libertador Simón Bolívar’ (Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo, MAAC) del Ministerio de Cultura Ecuador, Guayaquil, en el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), Neuquén ( Argentina), en Es Baluard Museo de Arte Moderno y Contemporáneo (Palma de Mallorca, España), en el Museo de Arte Moderno (MAM) , de Republica Dominicana, en ESIME Zacatenco , Ciudad de México, en la Bienal de artes Visuales de Hidalgo , en Entijuanarte Frontera Creativa , en la Bienal de Artes Visuales de Yucatán 2009, entre otros.
Actualmente vive y trabaja en Ciudad de México, donde imparte clases de fotografía.

Emmanuel RazoFernando Escárcega- Fershow
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Dolores Medel

Es Licenciada en Comunicación y egresada del Seminario de Fotografía Contemporánea del Centro de la Imagen, con sede en el Centro de las Artes de San Agustín, en Oaxaca. Cuenta además con estudios y experiencia en diseño editorial, periodismo, gestión cultural, promoción de la lectura y otras disciplinas. Su trabajo ha sido publicado en diversos medios locales e internacionales.

Ha sido becaria del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en su Programa Jóvenes Creadores-Artes Visuales-Fotografía, emisiones 2012 y 2014, beneficiaria del Programa de Estímulos a la Creación y Desarrollo Artístico del Estado de Veracruz, emisión 2013, finalista del II Concurso de Fotografía Contemporánea, Fundación Mexicana Cine y Artes, 2013, mención especial en las Becas Roberto Villagraz 2014 y finalista en 2016, EFTI. Madrid, España.

Su trabajo ha sido seleccionado en la elección oficial en el 10º Festival Internacional Paraty EmFoco, Brasil 2014, en Trasatlántica PhotoEspaña, visionado de artes visuales en Tegucigalpa, Honduras 2014 y Ciudad de Panamá en 2016 y en la II Bienal Héctor García, Ciudad de México 2015. Es una de las fotógrafas incluidas en el proyecto “Develar y Detonar, fotografía en México ca. 2015”, libro y exposición presentados en PHotoEspaña 2015, con el apoyo de Fundación Televisa, Centro de la Imagen, Editorial RM e Hydra+Fotografía.

Fue finalista del Premio IILA Fotografía en su VII edición, Roma, Italia, 2015, y ha sido invitada a participar en diferentes exhibiciones en Brasil, Uruguay, Cuba, Chile, Guatemala, España y Rusia, entre otros. Su obra forma parte de la colección de Fundación Televisa, de la colección de Allen Blevins, director de la Colección del Bank of America Merill Lynch, así como otras colecciones públicas y privadas.
Actualmente trabaja como fotógrafa independiente y docente en la Universidad Veracruzana.

 

 

Emmanuel RazoDolores Medel
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CAPRICHOSOS DESTELLOS DE BELLEZA

 

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“El mundo es hermoso porque hay de todo”
(Cesare Pavese)

Como la vida misma. Cuatro artistas emprenden un viaje en el que se muestra la nostalgia, la decadencia, el realismo – y especialmente-, la belleza inesperada, por partes iguales. Como si de exploradores modernos se tratara, en un mundo que ha perdido la inocencia y pertrechados tras su cámara, inician un recorrido existencial a componen esta exposición, tienen en común que no juzgan ni sentencian, pese a lo que pueda parecer, tan solo proponen una apoteosis excesiva pero exquisita de imágenes excelsas, de diálogos entre piezas y matices prodigiosos no exentos de un gran sentido de la ironía, en ocasiones, y de sensibilidad.

El objetivo último de esta exposición es incitar al espectador a vivir y disfrutar de la paradoja del torrente de emociones que se disparan ante el vacío que deja el abandono, la ausencia, la pobreza, la muerte, y encontrar en lo inevitable, esos destellos de belleza que hacen que todo cobre sentido.

través del amor, la infancia, la destrucción y la ausencia para acabar encontrando la belleza oculta en los actos más mundanos como un
campamento gitano en Francia, un suburbio de Ciudad de México, el recuerdo de un ser querido, o un bosque ultrajado. Es la mirada de aquel que se pasó la vida buscando la belleza pero que no logró encontrarla en la miserable condición humana y prefirió radiografiar el fango y la decadencia . Porque las obras que componen esta exposición, tienen en común que no juzgan ni sentencian, pese a lo que pueda parecer, tan solo proponen una apoteosis excesiva pero exquisita de imágenes excelsas, de diálogos entre piezas y matices prodigiosos no exentos de un gran sentido de la ironía, en ocasiones, y de sensibilidad.

El objetivo último de esta exposición es incitar al espectador a vivir y disfrutar de la paradoja del torrente de emociones que se disparan ante el vacío que deja el abandono, la ausencia, la pobreza, la muerte, y encontrar en lo inevitable, esos destellos de belleza que hacen que todo cobre sentido.

Elvira Rilova,

 

Emmanuel RazoCAPRICHOSOS DESTELLOS DE BELLEZA
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Mi cuerpo es un campo de batalla / Elvira Rilova

“Where is Diana” Diana Coca

 

MI CUERPO ES UN CAMPO DE BATALLA

La mirada de Irene Cruz y Diana Coca.

 

 

¿Existe en el arte una mirada femenina? ¿La poseen todas las mujeres y sólo ellas? ¿Significa entonces que es arte feminista? La única respuesta válida es que no se trata sino de la excepción ante una visión que es genéricamente masculina. Y es que aunque pueda resultar tópico y reduccionista elaborar un listado de rasgos atribuibles a lo femenino en la fotografía actual en España, -y aunque inevitablemente siempre surjan paradojas-, del conjunto se deduce la preferencia de la narración frente a la historia, de la lírica a la épica, de la intuición frente a la razón. Diana Coca e Irene Cruz pertenecen a esta generación de fotógrafas españolas que pretenden aunar, por un lado, la espectacularidad que ofrece lo visual y, por otro, el rigor académico y ético, con una preocupación recurrente que se ve reflejada en toda su obra: la representación de la imagen de la mujer, que históricamente ha estado monopolizada por la mirada del hombre.

La obra de Diana Coca investiga la relación entre el cuerpo y las herramientas de control construidas a su alrededor, un cuerpo que es objeto y sujeto de protocolos, convenciones sociales, políticas, culturales, religiosas… El autorretrato de Diana Coca escapa del momento íntimo y el cuerpo de convierte en un arma, una herramienta de denuncia. Sus fotografías son la documentación de performances realizadas en espacios públicos, acciones que se centran en la invasión de estos lugares descontextualizados que suponen un perjuicio y restricción para las libertades públicas y privadas en relación a la identidad individual, sus cuerpos y sexualidad. El propio cuerpo de la creadora,  ataviado con un pasamontañas, -que representa el miedo-, pretende crear un impacto mental y emocional sobre el público, envolviéndolo activamente en la propuesta. El escenario de Where is Diana? es en este caso, la frontera de Estados Unidos y México, donde muestra irónicamente la impotencia ante este monstruo que coarta libertades, fomenta odios y acentúa diferencias culturales,  con su cuerpo como único elemento de acción.

De la serie “Las musas” de Irene Cruz

La mirada de Irene Cruz incide en cambio en el cuerpo, el de la fotógrafa o el de otras mujeres, sus musas (el título de la serie), como transmisor de la atmósfera. La atmósfera propia y la del paisaje,-otra de las claves de su trabajo-, ya que al mismo tiempo, el paisaje refleja los sentimientos de las figuras, algo que también transmite la luz (esa luz crepuscular que la fotógrafa consigue en el Norte de Europa, donde habitualmente reside). Su cámara recoge la percepción emocional; el claro aire cinematográfico de sus obras nos hablan de melancolía, soledad y nos presenta a un ser humano desnudo ante el entorno para acompañarnos en este relato que cada uno de los espectadores construiremos. En este contexto, el desnudo se afronta como un elemento más a considerar a la hora de construir una imagen e implica, en cierta medida la desnudez del alma, pero también es un instrumento de narrativa limpia de artilugios; simplemente la belleza y la emoción que se integran en el paisaje.

En definitiva, Diana Coca e Irene Cruz son excelentes ejemplos del fructífero momento que vive la fotografía contemporánea en España en clave de mujer, una generación que perfila la postmodernidad artística de la disciplina artística y  que redefine brillantemente los autoprejuicios sobre la visión del propio cuerpo en pulsión creadora.

Elvira Rilova

 

 

Emmanuel RazoMi cuerpo es un campo de batalla / Elvira Rilova
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Erik Peña – Japane

De la serie orgánica IV

Erik Peña- Japane

Erick-Peña Japane

La obra gráfica del artista emergente Erick Peña Japane (Ciudad de México, 1985) se sitúa en la herencia histórica de la abstracción geométrica y la tradición estética surrealista. Su formación autodidacta y su destreza en el grafiti, de donde proviene su pseudónimo, son esenciales para comprender los discursos artísticos que componen su práctica.

El trabajo en tiendas departamentales de Aguascalientes lo expuso a una amplia gama de materiales y formas presentes a través del collage como medio primordial de su labor como artista. De naturaleza lúdica, su necesidad de producción creativa lo ha llevado a trabajar desde los recursos más formales hasta los más inverosímiles como tablas para picar, haciendo que cada una de sus piezas se tornen ejercicios de experimentación pictórica vastos en texturas, color y forma.

Las series geométrico abstractas extienden este juego formal de construcciones espaciales a base del uso de diversas tintas y papeles que dan lugar a la edificación de entornos arquitectónicos controlados. El artista es capaz de concebir diferentes composiciones expresionistas en donde el color y la línea dialogan con el espacio en una suerte de improvisación resuelta. Esto al principio nos hace pensar que la casualidad está presente, sin embargo, al observar más detenidamente la obra, ciertos elementos formales y resoluciones estéticas denotan un estilo individual cada vez más resuelto. La presencia del dorado, por ejemplo, es recurrente como una línea que traza los múltiples patrones geométricos escondidos en la naturaleza humana y figurativa.

De la misma forma, la línea se presenta como remate ornamental de composiciones abstractas llevando siempre al ojo del espectador alrededor de la obra. En Geometrías Urbanas, 4, 10 y 11 es esta línea dorada la que, de manera sutil y casi imperceptible, delimita los contornos de los collages geométricos. Asimismo, las imágenes surgen y se forman a partir de los elementos visuales tradicionales pero modificados por el elemento permanente en dichas composiciones: el plano arquitectónico. Las Geometrías Urbanas nos remontan a pensar desde diseños de tuberías hasta ciudades, siempre manteniendo una solidez gráfica en el uso de las texturas que dan diferentes profundidades, tonalidades rojas, azules o verdes que van modificando las sombras y juegos de luces que transforman el espacio bidimensional en el que se forjan. Los ejercicios pictóricos de los collages De la Serie Nuevos Significados, Tapiz 1 – Tapiz 2 y Tapiz 3 expresan un carácter de experimental entre la formalidad de lo editorial y escenarios cuasi surrealistas. Las figuras antropomorfas, tomadas en su mayoría de publicaciones de moda, son la base de una evolución gráfica que las transforma en escenarios pictóricos extendidos.

Geometrías Urbanas 11

Geometrías Urbanas 11
Collage, Tinta / papel
4cm x 58 cm
Catálogo: JP-42

Las imágenes que observamos fungen como punto de partida de una composición que se amplifica con una serie de elementos abstractos y ornamentales en su mayoría geométricos. En todas sus composiciones, la atención al detalle exige la contemplación de su audiencia en una suerte de equilibro de fuerzas entre todos los elementos pictóricos, abstractos y figurativos en el espacio. De la misma forma, las piezas que componen De la Serie Orgánica V llevan a un siguiente nivel el trabajo figurativo del artista en el que, a través de dibujo y algunos recortes de publicaciones, figurines que asemejan a maniquíes u otras siluetas orgánico-mecánicas establecen un diálogo no solo entre dichos elementos sino también entre dinámicas de la historia del arte que siguen tradiciones tanto escultóricas como pictóricas, y que remontan desde artistas como Hans Arp, René Magritte o Salvador Dalí hasta Francis Bacon. Estas tensiones dan como resultado escenarios oníricos que se ajustan a las necesidades creativas del artista al mismo tiempo que van generando utopías visuales atractivas y enigmáticas.

Emmanuel RazoErik Peña – Japane
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Deleite visual y eclecticismo en la obra de Nicandro Puente – El Sol de México

Origen: Deleite visual y eclecticismo en la obra de Nicandro Puente – El Sol de México

Emmanuel RazoDeleite visual y eclecticismo en la obra de Nicandro Puente – El Sol de México
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Nicandro, 12 años después

Nicandro Puente trabajó bajo la incidencia social y su propio contexto histórico haciendo un esfuerzo predominante por modificar la escena urbana y empleando al arte como motor de cambio. El pasar del tiempo nunca fue un tema que le inquietara y por lo mismo jamás creyó que le detendría su andar aquél agosto de 2005 cuando apenas tenía 52 años.

 

Sensible a la problemática social y firme instigador de las interrogantes existenciales del individuo, abordó en su obra temas tan vigentes que hoy podemos ver reflejados en cualquiera de sus “Rostros de la Angustia”, al quedar mudos intentando encontrar respuesta a tantas de sus inquietudes sobre la fragmentación de identidad, la reconstrucción urgente del tejido social, el avance tecnológico y la consignación del extravío del hombre contemporáneo, entre otras tantas interrogantes que se encuentran, bajo una genuina sutileza estética, entre el color y la forma de la obra.

 

Los murales que realizó se ven agotados por las inclemencias, enfrentando los retos del tiempo y el olvido. Al frente de la Red Urbana de Muralismo Comunitario, Puente realizó los murales “Tlatelolco, raíz y expresión de México” (1998), “Homenaje a la mujer” (1999), “1985 Sismo y resurrección” (2000) que nos llevan a inspeccionar su cosmogonía creativa.  El apreciar su estado actual nos exige sumarnos a la búsqueda de una solución para la recuperación de estas piezas de gran formato y símbolos de identidad para ya varias generaciones.

 

Así pues, adicional a dar vigencia a la obra, esta exposición tiene como fin recaudar fondos para financiar los procesos de conservación del acervo del artista y para iniciar gestiones para la recuperación de los murales. Estamos convencidos de que es imposible dejar que se pierdan ante una ignominiosa inactividad y solo mirar con rostro de angustia como se diluye en el tiempo.

 

Emmanuel Razo

Emmanuel RazoNicandro, 12 años después
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Rostros de la Angustia

NICANDRO PUENTE. DE LA SERIE ROSTROS DE LA ANGUSTIA

Julio Verne 14 Sala Felisa Román, Col. Polanco CDMX

Rostros de la Angustia de Nicandro Puente

“El arte evoca el misterio, sin el cual el mundo no existiría.”

René Magritte

 

La obra de Nicandro Puente (1953-2005) se sitúa dentro de las tendencias de figuración expresiva, es decir, exprime los límites de la representación humana mientras explora sus sentimientos y emociones por medio de la pintura y el dibujo. Los personajes que se desarrollan en sus composiciones y universos gráficos toman vida a través del uso del color y la forma: “la fuente básica de motivos y sensaciones para el ejercicio plástico lo constituye el contexto y la incidencia de sus actores” escribe el artista en sus notas.

 

A primera impresión, es difícil distinguir la angustia en la serie homónima de retratos del pintor tamaulipeco. La figura como el elemento básico de expresión plástica además de la selección de colores y composición geométrica es armónica e incluso positiva en su recepción; sin embargo, en cuanto se hace un ejercicio de observación minuciosa, se torna incuestionable que cada uno de estos rostros han sido silenciados en un acto de censura y sensibilización artística como respuesta a los acontecimientos que tuvieron lugar en México entre 1994 y 2000 cuando fueron realizados. Ya sea con un fin de regeneración social o como medio crítico, el comentario nacional y político directo está presente en toda la obra de Puente.

 

La herencia histórico artística que nutre a los Rostros proviene de una mezcla de la estética del surrealismo internacional y el muralismo mexicano sin dejar de lado las citas a la forma escultórica clásica. Las referencias figurativas de la práctica de artistas como René Magritte, Max Ernst o Salvador Dalí de la mano de las texturas de Diego Rivera o David Alfaro Siqueiros son evidentes en la paleta de colores y las implicaciones de los personajes representados.

 

Lo mecánico, lo racional y lo onírico se transmite de igual forma a través de la serie de dibujos preparatorios que complementan la carga energética y misteriosa de la serie.  “Rostros de la angustia” tiene la grandeza de crear un soliloquio en la búsqueda de respuesta a los más grandes paradigmas de la existencia humana: su presente y su mirada hacia el futuro.

 

Alberto Ríos de la Rosa.


El autor es  maestro en Historia del Arte por The Courtauld Institute of Art en Londres y curador de Fundación Casa Wabi donde desarrolla los proyectos de residencies y exposiciones en sus tres sedes Anteriormente trabajó en el equipo curatorial del Museo Tamayo en México, el Minneapolis Institute of Art y Peggy Guggenheim Collection en Venecia. Además escribe de forma periódica en publicaciones como Horizontal, Arquine, La Tempestad, entre otras

 

Emmanuel RazoRostros de la Angustia
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“ENTRE LÍNEAS” UNA ALTERNATIVA AFANOSA Y SUI GENERIS.

 

“ENTRE LÍNEAS” UNA ALTERNATIVA AFANOSA Y SUI GENERIS.

En la sala Felisa Román, adjunta a una reconocida galería de la calle Julio Verne en Polanco, se descubre un ensayo expositivo que explora la obra de jóvenes artistas de México y Bulgaria, todos bajo un tema central: la abstracción geométrica. “Entre Líneas” es una exposición organizada por la iniciativa Art Cage, la cual está enfocada en la promoción y desarrollo de plataformas para nuevos artistas al mismo tiempo que pretende instaurar distintas formas de coleccionismo en la ciudad.

Dos grabados de las Series del Desierto del artista Ernesto Alva (Ciudad de México, 1982) funcionan como introducción al cuerpo general de la muestra. El artista denota un particular interés por el detalle en la línea al mismo tiempo que evidencia un enfoque en la técnica que no está lejos de lo exquisito. Lo que puede parecer un caos contenido a primera vista, rápidamente se convierte en la prueba de un manejo de materiales, luz y técnicas mixtas que genera una estética funcional que apenas puede ser controlada por la selección del título. La aproximación a la abstracción geométrica se torna poética en el manejo de lo abstracto por Alva y en el propio acto de dibujar con el tríptico Fracción-transformación, el cual manifiesta una obsesión por el trazo como herramienta para la construcción de un discurso estético: el del proceso como acto liberador.

Puesta de manera frontal, la obra del artista Rubén Morales Lara (Ciudad de México, 1978) dialoga con la de Alva en el manejo del espacio y el volumen, y contrasta en la creación de referencias comunes en el paisaje urbano. Inestable No. 6 y Construcción de espacios irregulares son dos dibujos que asemejan estudios para esculturas modernistas bloqueados por una mácula rectangular negra en la parte inferior, como si esas esculturas estuvieran predeterminadas a ser asediadas por algún elemento urbano desde su concepción en el boceto. La referencia visual y arquitectónica a proyectos como la Ruta de la Amistad, las Torres de Satélite o el Pabellón El Eco es inevitable, todas modificadas por el propio contexto arquitectónico y urbano que las rodea.

Las texturas de la calle son fuente de inspiración para Morales Lara en el díptico Construcción de espacios irregulares 2016, en las que dos paneles de gran formato divisan diferentes texturas monocromáticas que asemejan diversos volúmenes y estructuras familiares en el vaivén diario de esta ciudad. El manejo del espacio y las geometrías son bloqueados de nueva cuenta por grandes masas de pintura en ambos paneles.

Autodidacta de formación, el artista mexicano Japane muestra un conjunto de 9 collages divididos en tres series temáticas que abarcan una amplia gama de elementos visuales que van desde la estética editorial hasta la abstracción completa de la línea y el color. Profundamente influenciados por su trabajo en tiendas departamentales de la Ciudad, así como su práctica en el grafiti, los collages De la Serie Nuevos Significados, Tapiz 1 – Tapiz 2 y Tapiz 3 funcionan como ejercicios casi pictóricos en los que la silueta humana tomada de revistas de moda es extendida en el embelesamiento geométrico. Sin embargo, son las piezas Geometrías Urbanas, 4, 10 y 11 que muestran una solidez gráfica en el uso de la línea, la selección de los materiales y colores, y la madurez en el detalle.

SI bien la muestra puede contenerse en el número de piezas expuestas y su distribución, “Entre líneas” se presenta como una alternativa afanosa y sui generis, diferente de la oferta tradicional del arte contemporáneo local, dándole cabida a talentos emergentes y en crecimiento en un espacio poco tradicional pero razonablemente presentado.

 

Emmanuel Razo“ENTRE LÍNEAS” UNA ALTERNATIVA AFANOSA Y SUI GENERIS.
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EL PALOMAR DEL MINOTAURO INICIA NUEVA SERIE DE EXPOSICIONES.

Incentivar el coleccionismo, fomentar la adquisición de obra, crear nuevos públicos y, a la vez, promover a artistas emergentes y en crecimiento, bajo directrices que rompen con los esquemas tradicionales, son las premisas bajo las cuales hace siete años surgió El Palomar del Minotauro.

Se trata de una galeria cuya peculiaridad es la temporalidad de las exposiciones, definitivamente más breve de lo ordinario. Alejada de los cánones tradicionales que rigen a otros espacios, El Palomar del Minotauro busca dinamizar la oferta creativa, promover las propuestas de un mayor número de artistas y satisfacer la demanda de un público ávido de conocer nuevas expresiones de las artes visuales.

Tras una breve pausa, con nuevas expresiones  El Palomar del Minotauro vuelve con una nueva propuesta, y una nueva sede: la Sala Felisa Román de Julio Verne No. 14, en Polanco.

En este espacio se arropará a artistas en crecimiento, emergentes, nacionales y extranjeros, cuyo punto de inspiración se origina en una visión temporal que provoca testimonios de una generación enfrentada a nuevos retos e intereses.

Emmanuel RazoEL PALOMAR DEL MINOTAURO INICIA NUEVA SERIE DE EXPOSICIONES.
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La Galería Óscar Román realiza su primera subasta a beneficio – La Jornada

A la subasta se suma el Proyecto Art Cage con el objeto de trabajar en favor de dos organizaciones sin fines de lucro: Aid for Aids, comprometida en la lucha contra el VIH, y Responsable en Mente A.C., enfocada al trabajo en favor de grupos vulnerables que sufren discriminación.

Origen: La Galería Óscar Román realiza su primera subasta a beneficio – La Jornada

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CCEMX

Crédito de la foto: Todos somos doctores de Pablo LecroiseyNudo Interior muestra el registro, investigación e inspiración creativa que parte de los diferentes elementos que confluyen en toda construcción o relato biográfico, como son la infancia, los lugares y espacios en los que se vive, el viaje, el recuerdo y la memoria, las expectativas, las relaciones que se traban a lo largo de la vida, las circunstancias personales, la familia, pero también la forja de la identidad, los sentimientos, la personalidad propia.Este viaje a través de más 200 piezas plásticas, descubre la figura del creador que construye su auténtica personalidad mientras trabaja sobre su obra. Influenciado, eso sí, por sus propias circunstancias vitales, pero en definitiva una identidad individual reelaborada libremente a través de ciertos elementos de su biografía y su yo interno, -que intenta alejarse del contexto que lo rodea para bucear en su intimidad- y que es capaz de construir una memoria colectiva para el espectador que lo contempla, a través de la expresión del arte y las formas.Así pues, los creadores que participan en esta exposición han indagado en ese mar profundo del que han extraído sustento: introspección, negación a sí mismo para después reconstruirse con sus propios apetitos, revisitar espacios y lugares vividos, exploración de los rincones del alma, análisis autobiográfico, ruptura de nudos interiores, con el fin de representar artísticamente su constelación de creencias, sentimientos, imágenes y reglas, es decir de plasmar sus propias mitología personales.Y el resultado, los trabajos que podremos contemplar en Nudo Interior, son obras reconstruidas con la perspectiva de la identidad actual, resignificadas y encajadas en la historia colectiva, en el tiempo y en el espacio de las culturas de origen y destino, rescatadas la memoria social de las a través de la mirada única de cada individuo, que buscan la oportunidad del encuentro y del (re) descubrimiento del sí y del otro por su fuerza latente creando lazos de empatía con el espectador, en un espacio de valorización y comprensión.Participan:Artistas españoles como Pablo Lecroisey, Bárbara G. F. Muriel, Jorge Gil, Ana Marcos, Irene Cruz y Diana Coca, el argentino Fernando Maselli y la búlgara Dilyana Glogova quienes radican en España y acompañan en esta muestra artistas nacionales como José Antonio Farrera, Flor Minor, Fernando Tames, Víctor Pérez Rull, , Natasha Gray, Japan, Juan Pablo Medina, Rocío Lomelí, Francesca Della Benetta, el Colectivo PHI, Gabriel Sánchez Viveros, José Antonio Platas y Agustín Santollo y está comisariada por la española Elvira Rilova, de Acelerador de Artistas.

Origen: CCEMX

Emmanuel RazoCCEMX
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La Jornada: Art Cage muestra cómo vivir con arte contemporáneo sin ser millonario

La muestra estuvo a cargo de Martha Lozano y Juan Manuel y Emmanuel Razo Se prevé abrir la segunda edición, esta vez en una casona de la colonia Roma, del 4 al 8 de febrero

Origen: La Jornada: Art Cage muestra cómo vivir con arte contemporáneo sin ser millonario

Emmanuel RazoLa Jornada: Art Cage muestra cómo vivir con arte contemporáneo sin ser millonario
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