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Neus Solá

Neus Solá Es una fotógrafa documental nacida y afincada en Barcelona. Neus se licenció en Humanidades en la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona (UPF). Después de estudiar Bellas Artes (UB), cursó el Postgrado en Gestión Cultural y Cooperación Internacional (UB) y el Máster en Antropología Visual (UB), complementando sus estudios con varios cursos y workshops de fotografía, vídeo y edición de entre los cuales destaca el curso de Fotografía de Autor de “El Observatorio”. Neus ha trabajado como fotoperiodista para ONGs, movimientos sociales y en proyectos de ámbitos variados. Su interés por las diferentes culturas y la causa social la ha llevado a realizar varios proyectos de fotografía y vídeo documental en varios países, centrando su mirada en temáticas de identidad, género y minorías étnicas desde una perspectiva antropológica.
Su trabajo “Poupées” ha sido seleccionado en Descubrimientos PhotoEspaña 2017 (España) y premiado en varios festivales nacionales e internacionales de entre los cuales destacan el Festival ManifestO (France), el International Women Photographers Award 2017 (Emiratos Árabes) y el Landskroma Foto Festival (Sweden) entre otros

POUPÉES- Neus sola
“Poupées” (muñecas, en francés) es un proyecto de fotografía documental que propone una reflexión sobre los conceptos de identidad y libertad de las niñas gitanas del suburbio perpiñanés de La Cité (Francia), un barrio exclusivamente gitano considerado un de los más pobres de la ciudad..
A su vez, el título “muñecas” funciona como metáfora asociada al sistema patriarcal gitano. Por un lado, haciendo alusión a la inocencia y a la pureza propias de la infancia femenina, elementos estrechamente asociados al gran pilar gitano del honor. Por otro lado, haciendo referencia al concepto de ‘mujer-objeto’ a través de la hipersexualización de estas niñas llevada a cabo en edades muy tempranas. Se trata, pues, de las dos caras de una misma moneda que responde a una construcción social identitaria asociada a la mercantilización y al control social sobre la mujer.

 

Emmanuel RazoNeus Solá
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Julio Eiroa

Julio Eiroa nació en Vigo en 1980. Llegó a la Universidad de Vigo para cursar los estudios de biología y continuar con el doctorado compaginado con el trabajo ejercido en la empresa privada. La relación con la fotografía comienza en los estudios universitarios y continuaron posteriormente durante su etapa laboral La crisis y la necesidad de autorrealizarse le llevaron a tomar una decisión radical. Para entonces ya se había matriculado en las pruebas de acceso para los estudios superiores de fotografía en la Escuela de Arte y Superior de Diseño Antonio Faílde de Ourense. Los buenos resultados continuaron durante los dos años de estudio, mejorando la técnica y la expresión personal. Poco a poco la fotografía fue reemplazando casi totalmente a la biología, hasta el punto de convertirse en la actualidad en su profesión, pero también como medio de expresión como fotógrafo de autor. Su formación es continua y se completa como alumno de fotógrafos tan importantes como José de Benito, Duccio Malagamba, David Jiménez, Óscar Molina o Javier Vallhonrat, entre otros. Destacan, además de múltiples menciones menores, el premio “Proxecto Edición” de la gestora de proyectos fotográficos Copias de Autor en el año 2014. La participación como seleccionado en la feria de fotografía Viphoto de Vitotia en la edición del año 2015 y su recientemente participación en Descubrimientos Photoespaña 2016 o la Feria del Libro de artista de castilla y León, Librarte en 2017.

Sobre la serie de Waste Julio Eiroa comenta: “WASTE es un proyecto que nació en el año 2010. Llevaba ya unos años ejerciendo como biólogo en una empresa de gestión medioambiental y utilizando la fotografía como herramienta cotiadiana de registro. Mi experiencia de vida y mi afición por la fotografía se ligaron conceptualmente ante el abuso medioambiental. Encontré formas y motivos cerca de casa. Durante el año 2010 fotografié objetos abandonados. Lo hice apostando por una coherencia visual con valores formales y visuales concretos. Traté que los objetos tuvieran todo el protagonismo pero quería mantener la personalidad del lugar en el que descansaban. En 2010 di por terminada la serie hasta que en el 2014 decidí mostrarla durante la 1ª Convocatoría del “Proxecto Edición” de la gestora de proyectos fotográficos COPIAS DE AUTOR, donde recibí el primer premio de Libro de Artista”.

Emmanuel RazoJulio Eiroa
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CAPRICHOSOS DESTELLOS DE BELLEZA

 

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“El mundo es hermoso porque hay de todo”
(Cesare Pavese)

Como la vida misma. Cuatro artistas emprenden un viaje en el que se muestra la nostalgia, la decadencia, el realismo – y especialmente-, la belleza inesperada, por partes iguales. Como si de exploradores modernos se tratara, en un mundo que ha perdido la inocencia y pertrechados tras su cámara, inician un recorrido existencial a componen esta exposición, tienen en común que no juzgan ni sentencian, pese a lo que pueda parecer, tan solo proponen una apoteosis excesiva pero exquisita de imágenes excelsas, de diálogos entre piezas y matices prodigiosos no exentos de un gran sentido de la ironía, en ocasiones, y de sensibilidad.

El objetivo último de esta exposición es incitar al espectador a vivir y disfrutar de la paradoja del torrente de emociones que se disparan ante el vacío que deja el abandono, la ausencia, la pobreza, la muerte, y encontrar en lo inevitable, esos destellos de belleza que hacen que todo cobre sentido.

través del amor, la infancia, la destrucción y la ausencia para acabar encontrando la belleza oculta en los actos más mundanos como un
campamento gitano en Francia, un suburbio de Ciudad de México, el recuerdo de un ser querido, o un bosque ultrajado. Es la mirada de aquel que se pasó la vida buscando la belleza pero que no logró encontrarla en la miserable condición humana y prefirió radiografiar el fango y la decadencia . Porque las obras que componen esta exposición, tienen en común que no juzgan ni sentencian, pese a lo que pueda parecer, tan solo proponen una apoteosis excesiva pero exquisita de imágenes excelsas, de diálogos entre piezas y matices prodigiosos no exentos de un gran sentido de la ironía, en ocasiones, y de sensibilidad.

El objetivo último de esta exposición es incitar al espectador a vivir y disfrutar de la paradoja del torrente de emociones que se disparan ante el vacío que deja el abandono, la ausencia, la pobreza, la muerte, y encontrar en lo inevitable, esos destellos de belleza que hacen que todo cobre sentido.

Elvira Rilova,

 

Emmanuel RazoCAPRICHOSOS DESTELLOS DE BELLEZA
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Mi cuerpo es un campo de batalla / Elvira Rilova

“Where is Diana” Diana Coca

 

MI CUERPO ES UN CAMPO DE BATALLA

La mirada de Irene Cruz y Diana Coca.

 

 

¿Existe en el arte una mirada femenina? ¿La poseen todas las mujeres y sólo ellas? ¿Significa entonces que es arte feminista? La única respuesta válida es que no se trata sino de la excepción ante una visión que es genéricamente masculina. Y es que aunque pueda resultar tópico y reduccionista elaborar un listado de rasgos atribuibles a lo femenino en la fotografía actual en España, -y aunque inevitablemente siempre surjan paradojas-, del conjunto se deduce la preferencia de la narración frente a la historia, de la lírica a la épica, de la intuición frente a la razón. Diana Coca e Irene Cruz pertenecen a esta generación de fotógrafas españolas que pretenden aunar, por un lado, la espectacularidad que ofrece lo visual y, por otro, el rigor académico y ético, con una preocupación recurrente que se ve reflejada en toda su obra: la representación de la imagen de la mujer, que históricamente ha estado monopolizada por la mirada del hombre.

La obra de Diana Coca investiga la relación entre el cuerpo y las herramientas de control construidas a su alrededor, un cuerpo que es objeto y sujeto de protocolos, convenciones sociales, políticas, culturales, religiosas… El autorretrato de Diana Coca escapa del momento íntimo y el cuerpo de convierte en un arma, una herramienta de denuncia. Sus fotografías son la documentación de performances realizadas en espacios públicos, acciones que se centran en la invasión de estos lugares descontextualizados que suponen un perjuicio y restricción para las libertades públicas y privadas en relación a la identidad individual, sus cuerpos y sexualidad. El propio cuerpo de la creadora,  ataviado con un pasamontañas, -que representa el miedo-, pretende crear un impacto mental y emocional sobre el público, envolviéndolo activamente en la propuesta. El escenario de Where is Diana? es en este caso, la frontera de Estados Unidos y México, donde muestra irónicamente la impotencia ante este monstruo que coarta libertades, fomenta odios y acentúa diferencias culturales,  con su cuerpo como único elemento de acción.

De la serie “Las musas” de Irene Cruz

La mirada de Irene Cruz incide en cambio en el cuerpo, el de la fotógrafa o el de otras mujeres, sus musas (el título de la serie), como transmisor de la atmósfera. La atmósfera propia y la del paisaje,-otra de las claves de su trabajo-, ya que al mismo tiempo, el paisaje refleja los sentimientos de las figuras, algo que también transmite la luz (esa luz crepuscular que la fotógrafa consigue en el Norte de Europa, donde habitualmente reside). Su cámara recoge la percepción emocional; el claro aire cinematográfico de sus obras nos hablan de melancolía, soledad y nos presenta a un ser humano desnudo ante el entorno para acompañarnos en este relato que cada uno de los espectadores construiremos. En este contexto, el desnudo se afronta como un elemento más a considerar a la hora de construir una imagen e implica, en cierta medida la desnudez del alma, pero también es un instrumento de narrativa limpia de artilugios; simplemente la belleza y la emoción que se integran en el paisaje.

En definitiva, Diana Coca e Irene Cruz son excelentes ejemplos del fructífero momento que vive la fotografía contemporánea en España en clave de mujer, una generación que perfila la postmodernidad artística de la disciplina artística y  que redefine brillantemente los autoprejuicios sobre la visión del propio cuerpo en pulsión creadora.

Elvira Rilova

 

 

Emmanuel RazoMi cuerpo es un campo de batalla / Elvira Rilova
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Nicandro, 12 años después

Nicandro Puente trabajó bajo la incidencia social y su propio contexto histórico haciendo un esfuerzo predominante por modificar la escena urbana y empleando al arte como motor de cambio. El pasar del tiempo nunca fue un tema que le inquietara y por lo mismo jamás creyó que le detendría su andar aquél agosto de 2005 cuando apenas tenía 52 años.

 

Sensible a la problemática social y firme instigador de las interrogantes existenciales del individuo, abordó en su obra temas tan vigentes que hoy podemos ver reflejados en cualquiera de sus “Rostros de la Angustia”, al quedar mudos intentando encontrar respuesta a tantas de sus inquietudes sobre la fragmentación de identidad, la reconstrucción urgente del tejido social, el avance tecnológico y la consignación del extravío del hombre contemporáneo, entre otras tantas interrogantes que se encuentran, bajo una genuina sutileza estética, entre el color y la forma de la obra.

 

Los murales que realizó se ven agotados por las inclemencias, enfrentando los retos del tiempo y el olvido. Al frente de la Red Urbana de Muralismo Comunitario, Puente realizó los murales “Tlatelolco, raíz y expresión de México” (1998), “Homenaje a la mujer” (1999), “1985 Sismo y resurrección” (2000) que nos llevan a inspeccionar su cosmogonía creativa.  El apreciar su estado actual nos exige sumarnos a la búsqueda de una solución para la recuperación de estas piezas de gran formato y símbolos de identidad para ya varias generaciones.

 

Así pues, adicional a dar vigencia a la obra, esta exposición tiene como fin recaudar fondos para financiar los procesos de conservación del acervo del artista y para iniciar gestiones para la recuperación de los murales. Estamos convencidos de que es imposible dejar que se pierdan ante una ignominiosa inactividad y solo mirar con rostro de angustia como se diluye en el tiempo.

 

Emmanuel Razo

Emmanuel RazoNicandro, 12 años después
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Rostros de la Angustia

NICANDRO PUENTE. DE LA SERIE ROSTROS DE LA ANGUSTIA

Julio Verne 14 Sala Felisa Román, Col. Polanco CDMX

Rostros de la Angustia de Nicandro Puente

“El arte evoca el misterio, sin el cual el mundo no existiría.”

René Magritte

 

La obra de Nicandro Puente (1953-2005) se sitúa dentro de las tendencias de figuración expresiva, es decir, exprime los límites de la representación humana mientras explora sus sentimientos y emociones por medio de la pintura y el dibujo. Los personajes que se desarrollan en sus composiciones y universos gráficos toman vida a través del uso del color y la forma: “la fuente básica de motivos y sensaciones para el ejercicio plástico lo constituye el contexto y la incidencia de sus actores” escribe el artista en sus notas.

 

A primera impresión, es difícil distinguir la angustia en la serie homónima de retratos del pintor tamaulipeco. La figura como el elemento básico de expresión plástica además de la selección de colores y composición geométrica es armónica e incluso positiva en su recepción; sin embargo, en cuanto se hace un ejercicio de observación minuciosa, se torna incuestionable que cada uno de estos rostros han sido silenciados en un acto de censura y sensibilización artística como respuesta a los acontecimientos que tuvieron lugar en México entre 1994 y 2000 cuando fueron realizados. Ya sea con un fin de regeneración social o como medio crítico, el comentario nacional y político directo está presente en toda la obra de Puente.

 

La herencia histórico artística que nutre a los Rostros proviene de una mezcla de la estética del surrealismo internacional y el muralismo mexicano sin dejar de lado las citas a la forma escultórica clásica. Las referencias figurativas de la práctica de artistas como René Magritte, Max Ernst o Salvador Dalí de la mano de las texturas de Diego Rivera o David Alfaro Siqueiros son evidentes en la paleta de colores y las implicaciones de los personajes representados.

 

Lo mecánico, lo racional y lo onírico se transmite de igual forma a través de la serie de dibujos preparatorios que complementan la carga energética y misteriosa de la serie.  “Rostros de la angustia” tiene la grandeza de crear un soliloquio en la búsqueda de respuesta a los más grandes paradigmas de la existencia humana: su presente y su mirada hacia el futuro.

 

Alberto Ríos de la Rosa.


El autor es  maestro en Historia del Arte por The Courtauld Institute of Art en Londres y curador de Fundación Casa Wabi donde desarrolla los proyectos de residencies y exposiciones en sus tres sedes Anteriormente trabajó en el equipo curatorial del Museo Tamayo en México, el Minneapolis Institute of Art y Peggy Guggenheim Collection en Venecia. Además escribe de forma periódica en publicaciones como Horizontal, Arquine, La Tempestad, entre otras

 

Emmanuel RazoRostros de la Angustia
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“ENTRE LÍNEAS” UNA ALTERNATIVA AFANOSA Y SUI GENERIS.

 

“ENTRE LÍNEAS” UNA ALTERNATIVA AFANOSA Y SUI GENERIS.

En la sala Felisa Román, adjunta a una reconocida galería de la calle Julio Verne en Polanco, se descubre un ensayo expositivo que explora la obra de jóvenes artistas de México y Bulgaria, todos bajo un tema central: la abstracción geométrica. “Entre Líneas” es una exposición organizada por la iniciativa Art Cage, la cual está enfocada en la promoción y desarrollo de plataformas para nuevos artistas al mismo tiempo que pretende instaurar distintas formas de coleccionismo en la ciudad.

Dos grabados de las Series del Desierto del artista Ernesto Alva (Ciudad de México, 1982) funcionan como introducción al cuerpo general de la muestra. El artista denota un particular interés por el detalle en la línea al mismo tiempo que evidencia un enfoque en la técnica que no está lejos de lo exquisito. Lo que puede parecer un caos contenido a primera vista, rápidamente se convierte en la prueba de un manejo de materiales, luz y técnicas mixtas que genera una estética funcional que apenas puede ser controlada por la selección del título. La aproximación a la abstracción geométrica se torna poética en el manejo de lo abstracto por Alva y en el propio acto de dibujar con el tríptico Fracción-transformación, el cual manifiesta una obsesión por el trazo como herramienta para la construcción de un discurso estético: el del proceso como acto liberador.

Puesta de manera frontal, la obra del artista Rubén Morales Lara (Ciudad de México, 1978) dialoga con la de Alva en el manejo del espacio y el volumen, y contrasta en la creación de referencias comunes en el paisaje urbano. Inestable No. 6 y Construcción de espacios irregulares son dos dibujos que asemejan estudios para esculturas modernistas bloqueados por una mácula rectangular negra en la parte inferior, como si esas esculturas estuvieran predeterminadas a ser asediadas por algún elemento urbano desde su concepción en el boceto. La referencia visual y arquitectónica a proyectos como la Ruta de la Amistad, las Torres de Satélite o el Pabellón El Eco es inevitable, todas modificadas por el propio contexto arquitectónico y urbano que las rodea.

Las texturas de la calle son fuente de inspiración para Morales Lara en el díptico Construcción de espacios irregulares 2016, en las que dos paneles de gran formato divisan diferentes texturas monocromáticas que asemejan diversos volúmenes y estructuras familiares en el vaivén diario de esta ciudad. El manejo del espacio y las geometrías son bloqueados de nueva cuenta por grandes masas de pintura en ambos paneles.

Autodidacta de formación, el artista mexicano Japane muestra un conjunto de 9 collages divididos en tres series temáticas que abarcan una amplia gama de elementos visuales que van desde la estética editorial hasta la abstracción completa de la línea y el color. Profundamente influenciados por su trabajo en tiendas departamentales de la Ciudad, así como su práctica en el grafiti, los collages De la Serie Nuevos Significados, Tapiz 1 – Tapiz 2 y Tapiz 3 funcionan como ejercicios casi pictóricos en los que la silueta humana tomada de revistas de moda es extendida en el embelesamiento geométrico. Sin embargo, son las piezas Geometrías Urbanas, 4, 10 y 11 que muestran una solidez gráfica en el uso de la línea, la selección de los materiales y colores, y la madurez en el detalle.

SI bien la muestra puede contenerse en el número de piezas expuestas y su distribución, “Entre líneas” se presenta como una alternativa afanosa y sui generis, diferente de la oferta tradicional del arte contemporáneo local, dándole cabida a talentos emergentes y en crecimiento en un espacio poco tradicional pero razonablemente presentado.

 

Emmanuel Razo“ENTRE LÍNEAS” UNA ALTERNATIVA AFANOSA Y SUI GENERIS.
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URBANOS

Urbanos son los personajes que habitan ese conglomerado múltiple y diverso denominado urbe, donde los seres mutan y se transforman en el vértigo de su cotidianidad; esa en la que cada quien se construye o se mimetiza como célula del caos citadino.  Alude también, a la realidad inmediata en la que nos asumimos y que forma parte de otras realidades que confluyen en un tiempo y espacio; aquellas que en ocasiones evitamos mirar pero que ineludiblemente existen.

En esta exposición colectiva de pintura, fotografía y escultura, predomina la expresión pictórica como una forma de manifestar su vigencia, presente en los lenguajes del hiperrealismo, del arte pop, del expresionismo abstracto y del realismo posmoderno que los artistas jóvenes asumen para recrear la condición del ser contemporáneo.

A partir de las obras que integran la muestra, sus autores nos presentan lecturas en contraste: hallamos la mirada inserta en un instante cotidiano, el interior convulso del individuo, hasta escenarios contrapuestos donde el color, la luz y la composición dan una cautivadora lectura festiva a contextos marginados.

Con esta exposición, el Palomar del Minotauro muda su sede, se traslada del corazón de la ciudad dejando la torre latinoamericana para ubicarse junto al World Trade Center; ambas edificaciones emblemáticas de la vida postmoderna.

 

 

Emmanuel RazoURBANOS
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NOCHE MEXICANA

No sé si la noche es una forma de lo que yo seré.
O si es un aviso de lo que debo ser…

Carlos Montemayor

Exploramos la experiencia artística desde una mirada crítica que da cuenta de los contrastes y contradicciones del México contemporáneo, es desde ese enfoque que en el palomar del Minotauro  abordamos una Noche Mexicana en donde por un lado se muestra la crudeza de la realidad que estamos viviendo y por el otro, ese sentido festivo que siempre  nos ha caracterizado.

Ante las posturas encontradas sobre los festejos del Bicentenario, aludimos al arte como el lenguaje en el que la ironía, la denuncia, el sarcasmo, el humor así como el colorido  y exaltación de lo mexicano ponen de manifiesto las lecturas contrapuestas de lo que es hoy nuestro país. En esta época en que se enaltece el nacionalismo, Noche Mexicana incorpora también la visión exterior del México actual, tal es el caso de la intervención de Misha Marks y Blair Latham, artistas  originarios de Nueva Zelanda, así como la propuesta de Fat Mariachi con su peculiar extravagancia de lo electrónico, el colorido popular de la intervención de Fershow Escárcega, lo contundente de las piezas sonoras de Roberto Ramírez y Jesús León Monroy; la fuerza introspectiva de Girasol Botello y la orquestación cuerpo, arte y movimiento de Penélope Rivera, Gerzain Noguez Agüero, Tania Tamara, Odette Paz, Carlos Saboria, Fernanda Acevedo y Eduardo Del Valle.

Una Noche Mexicana intervenida por el performance, la música, el arte sonoro, la instalación, el body painting y la fiesta popular; una relectura contemporánea en un encuentro sensorial de disfrute y reflexión.

 

Emmanuel RazoNOCHE MEXICANA
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CÁRNICA

30 de Julio a la 19:30 hrs en Dr. Mora No. 9, Azotea Centro Historico, frente a la Alameda Central

Nada habrá más triste que el sabor de las mujeres que nunca tendrás, de los hombres que perdiste por miedo, por convención, por  temor a dar el paso prohibido, por falta de imaginación, por incapacidad de transformarte, como Don Juan, en otro.

Carlos Fuentes

El palomar del Minotauro abre su espacio nuevamente al arte contemporáneo con Cárnica, muestra que reúne distintas y provocadoras interpretaciones en torno a lo erótico. Desde los altos de la gran urbe se presenta una colectiva en la que se dan cita la fotografía, la pintura, el dibujo, la escultura, el performance y la intervención.

Cárnica es un diálogo sensorial que cuestiona la noción del cuerpo como el símbolo directo del deseo y la pasión; multiplicando sus significados de acuerdo a la forma, sentido, escenarios y percepciones personalísimas de cada autor. Es la lectura de la sensualidad urbana en sus múltiples expresiones.

En esta colectiva están presentes el exhibicionismo, el fetichismo, lo clandestino; ese lado underground de la vida que pocos se atreven a explorar. Sin rubor y sin pudor, los artistas plantean el placer por el placer mismo, la libertad de lo instintivo y el valor de lo fugaz.

De igual forma, invierten la mirada erótica del cuerpo y su madurez resignificando su tiempo. Así como el contrasentido del juego y el juguete, que despojado de inocencia, deviene en fetiches del imaginario colectivo.

Cárnica cuestiona y confronta los convencionalismos sociales, lo prohibido y la doble moral. En este espacio del aquí y el ahora, la libertad se contrapone y se impone como un antídoto contra el prejuicio y la promiscuidad.

El palomar del Minotauro abre la ventana de lo íntimo a una pincelada del placer.

Emmanuel RazoCÁRNICA
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ROCÍO BOLIVER – LA CONGELADA DE UVA

ROCÍO BOLIVER – LA CONGELADA DE UVA

Si para algunos teóricos el Performance es “la más radical de las artes”, las acciones que Rocío Boliver, La Congelada de Uva, ha llevado a cabo durante más de quince años, la sitúan por sus temáticas en el ala más radical de la historia del llamado Arte del Cuerpo.

Abanderada situacionista del Epifenómeno de carácter sexual , La Congelada exhibe sin tapujos su peligrosa visión del feminismo y coloca su exótica genitalidad en el centro de su discurso.

La Congelada de Uva es un ícono perdurable de la cultura underground en la Ciudad de México. Además de ser una pieza fundamental para la plena comprensión de esta época y de dicho movimiento, es un hecho que ya le debemos el haber creado algunas de las imágenes más delirantes y provocativas en el campo del Arte.

Emmanuel RazoROCÍO BOLIVER – LA CONGELADA DE UVA
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Nace “El palomar del minotauro”

El Palomar del Minotauro

 

Del concepto

 

La Galería Palomar del Minotauro surge de cuatro voluntades independientes con un interés común: el arte. Trayectorias antípodas convergen en un punto, donde la inquietud por disfrutar el arte nos lleva a crear un concepto artístico y  cultural con marcadas preferencias en lo alternativo. La idea de un lugar dinámico y versátil que diera cabida a creadores que recién surgen en el ámbito artístico nacional y que promueva propuestas visuales, plásticas, de diseño, arte sonoro, fotografía, grabado, cine y moda, principalmente artistas y productores emergentes que se destaquen por su potencial formal y su contenido.

El Palomar es un lugar amplio en varios sentidos. En su definición de arte y la búsqueda de los nuevos caminos de expresión, pero también se extiende a su espacio físico la posibilidad de dar cabida a diversas actividades que en su hacer discutan el ambiente de la creación mexicana e internacional. Así el Palomarserá foro para: presentaciones de libros, talleres, recitales de música o teatro.

Nuestro primer proyecto buscó un lugar que nos definiera. Repasamos varias opciones, hasta que nos topamos con uno que resume en gran medida nuestro objetivo. Una azotea desde donde se percibe el caos urbano de la ciudad; un espacio en donde convergen en una caótica unidad la historia, la contaminación visual del presente  y la nueva lectura de un México que busca reinventarse a través de la mirada de sus artistas.

 

Emmanuel RazoNace “El palomar del minotauro”
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