All posts tagged: Art Cage

Mi cuerpo es un campo de batalla / Elvira Rilova

“Where is Diana” Diana Coca

 

MI CUERPO ES UN CAMPO DE BATALLA

La mirada de Irene Cruz y Diana Coca.

 

 

¿Existe en el arte una mirada femenina? ¿La poseen todas las mujeres y sólo ellas? ¿Significa entonces que es arte feminista? La única respuesta válida es que no se trata sino de la excepción ante una visión que es genéricamente masculina. Y es que aunque pueda resultar tópico y reduccionista elaborar un listado de rasgos atribuibles a lo femenino en la fotografía actual en España, -y aunque inevitablemente siempre surjan paradojas-, del conjunto se deduce la preferencia de la narración frente a la historia, de la lírica a la épica, de la intuición frente a la razón. Diana Coca e Irene Cruz pertenecen a esta generación de fotógrafas españolas que pretenden aunar, por un lado, la espectacularidad que ofrece lo visual y, por otro, el rigor académico y ético, con una preocupación recurrente que se ve reflejada en toda su obra: la representación de la imagen de la mujer, que históricamente ha estado monopolizada por la mirada del hombre.

La obra de Diana Coca investiga la relación entre el cuerpo y las herramientas de control construidas a su alrededor, un cuerpo que es objeto y sujeto de protocolos, convenciones sociales, políticas, culturales, religiosas… El autorretrato de Diana Coca escapa del momento íntimo y el cuerpo de convierte en un arma, una herramienta de denuncia. Sus fotografías son la documentación de performances realizadas en espacios públicos, acciones que se centran en la invasión de estos lugares descontextualizados que suponen un perjuicio y restricción para las libertades públicas y privadas en relación a la identidad individual, sus cuerpos y sexualidad. El propio cuerpo de la creadora,  ataviado con un pasamontañas, -que representa el miedo-, pretende crear un impacto mental y emocional sobre el público, envolviéndolo activamente en la propuesta. El escenario de Where is Diana? es en este caso, la frontera de Estados Unidos y México, donde muestra irónicamente la impotencia ante este monstruo que coarta libertades, fomenta odios y acentúa diferencias culturales,  con su cuerpo como único elemento de acción.

De la serie “Las musas” de Irene Cruz

La mirada de Irene Cruz incide en cambio en el cuerpo, el de la fotógrafa o el de otras mujeres, sus musas (el título de la serie), como transmisor de la atmósfera. La atmósfera propia y la del paisaje,-otra de las claves de su trabajo-, ya que al mismo tiempo, el paisaje refleja los sentimientos de las figuras, algo que también transmite la luz (esa luz crepuscular que la fotógrafa consigue en el Norte de Europa, donde habitualmente reside). Su cámara recoge la percepción emocional; el claro aire cinematográfico de sus obras nos hablan de melancolía, soledad y nos presenta a un ser humano desnudo ante el entorno para acompañarnos en este relato que cada uno de los espectadores construiremos. En este contexto, el desnudo se afronta como un elemento más a considerar a la hora de construir una imagen e implica, en cierta medida la desnudez del alma, pero también es un instrumento de narrativa limpia de artilugios; simplemente la belleza y la emoción que se integran en el paisaje.

En definitiva, Diana Coca e Irene Cruz son excelentes ejemplos del fructífero momento que vive la fotografía contemporánea en España en clave de mujer, una generación que perfila la postmodernidad artística de la disciplina artística y  que redefine brillantemente los autoprejuicios sobre la visión del propio cuerpo en pulsión creadora.

Elvira Rilova

 

 

Emmanuel RazoMi cuerpo es un campo de batalla / Elvira Rilova
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“ENTRE LÍNEAS” UNA ALTERNATIVA AFANOSA Y SUI GENERIS.

 

“ENTRE LÍNEAS” UNA ALTERNATIVA AFANOSA Y SUI GENERIS.

En la sala Felisa Román, adjunta a una reconocida galería de la calle Julio Verne en Polanco, se descubre un ensayo expositivo que explora la obra de jóvenes artistas de México y Bulgaria, todos bajo un tema central: la abstracción geométrica. “Entre Líneas” es una exposición organizada por la iniciativa Art Cage, la cual está enfocada en la promoción y desarrollo de plataformas para nuevos artistas al mismo tiempo que pretende instaurar distintas formas de coleccionismo en la ciudad.

Dos grabados de las Series del Desierto del artista Ernesto Alva (Ciudad de México, 1982) funcionan como introducción al cuerpo general de la muestra. El artista denota un particular interés por el detalle en la línea al mismo tiempo que evidencia un enfoque en la técnica que no está lejos de lo exquisito. Lo que puede parecer un caos contenido a primera vista, rápidamente se convierte en la prueba de un manejo de materiales, luz y técnicas mixtas que genera una estética funcional que apenas puede ser controlada por la selección del título. La aproximación a la abstracción geométrica se torna poética en el manejo de lo abstracto por Alva y en el propio acto de dibujar con el tríptico Fracción-transformación, el cual manifiesta una obsesión por el trazo como herramienta para la construcción de un discurso estético: el del proceso como acto liberador.

Puesta de manera frontal, la obra del artista Rubén Morales Lara (Ciudad de México, 1978) dialoga con la de Alva en el manejo del espacio y el volumen, y contrasta en la creación de referencias comunes en el paisaje urbano. Inestable No. 6 y Construcción de espacios irregulares son dos dibujos que asemejan estudios para esculturas modernistas bloqueados por una mácula rectangular negra en la parte inferior, como si esas esculturas estuvieran predeterminadas a ser asediadas por algún elemento urbano desde su concepción en el boceto. La referencia visual y arquitectónica a proyectos como la Ruta de la Amistad, las Torres de Satélite o el Pabellón El Eco es inevitable, todas modificadas por el propio contexto arquitectónico y urbano que las rodea.

Las texturas de la calle son fuente de inspiración para Morales Lara en el díptico Construcción de espacios irregulares 2016, en las que dos paneles de gran formato divisan diferentes texturas monocromáticas que asemejan diversos volúmenes y estructuras familiares en el vaivén diario de esta ciudad. El manejo del espacio y las geometrías son bloqueados de nueva cuenta por grandes masas de pintura en ambos paneles.

Autodidacta de formación, el artista mexicano Japane muestra un conjunto de 9 collages divididos en tres series temáticas que abarcan una amplia gama de elementos visuales que van desde la estética editorial hasta la abstracción completa de la línea y el color. Profundamente influenciados por su trabajo en tiendas departamentales de la Ciudad, así como su práctica en el grafiti, los collages De la Serie Nuevos Significados, Tapiz 1 – Tapiz 2 y Tapiz 3 funcionan como ejercicios casi pictóricos en los que la silueta humana tomada de revistas de moda es extendida en el embelesamiento geométrico. Sin embargo, son las piezas Geometrías Urbanas, 4, 10 y 11 que muestran una solidez gráfica en el uso de la línea, la selección de los materiales y colores, y la madurez en el detalle.

SI bien la muestra puede contenerse en el número de piezas expuestas y su distribución, “Entre líneas” se presenta como una alternativa afanosa y sui generis, diferente de la oferta tradicional del arte contemporáneo local, dándole cabida a talentos emergentes y en crecimiento en un espacio poco tradicional pero razonablemente presentado.

 

Emmanuel Razo“ENTRE LÍNEAS” UNA ALTERNATIVA AFANOSA Y SUI GENERIS.
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La Galería Óscar Román realiza su primera subasta a beneficio – La Jornada

A la subasta se suma el Proyecto Art Cage con el objeto de trabajar en favor de dos organizaciones sin fines de lucro: Aid for Aids, comprometida en la lucha contra el VIH, y Responsable en Mente A.C., enfocada al trabajo en favor de grupos vulnerables que sufren discriminación.

Origen: La Galería Óscar Román realiza su primera subasta a beneficio – La Jornada

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CCEMX

Crédito de la foto: Todos somos doctores de Pablo LecroiseyNudo Interior muestra el registro, investigación e inspiración creativa que parte de los diferentes elementos que confluyen en toda construcción o relato biográfico, como son la infancia, los lugares y espacios en los que se vive, el viaje, el recuerdo y la memoria, las expectativas, las relaciones que se traban a lo largo de la vida, las circunstancias personales, la familia, pero también la forja de la identidad, los sentimientos, la personalidad propia.Este viaje a través de más 200 piezas plásticas, descubre la figura del creador que construye su auténtica personalidad mientras trabaja sobre su obra. Influenciado, eso sí, por sus propias circunstancias vitales, pero en definitiva una identidad individual reelaborada libremente a través de ciertos elementos de su biografía y su yo interno, -que intenta alejarse del contexto que lo rodea para bucear en su intimidad- y que es capaz de construir una memoria colectiva para el espectador que lo contempla, a través de la expresión del arte y las formas.Así pues, los creadores que participan en esta exposición han indagado en ese mar profundo del que han extraído sustento: introspección, negación a sí mismo para después reconstruirse con sus propios apetitos, revisitar espacios y lugares vividos, exploración de los rincones del alma, análisis autobiográfico, ruptura de nudos interiores, con el fin de representar artísticamente su constelación de creencias, sentimientos, imágenes y reglas, es decir de plasmar sus propias mitología personales.Y el resultado, los trabajos que podremos contemplar en Nudo Interior, son obras reconstruidas con la perspectiva de la identidad actual, resignificadas y encajadas en la historia colectiva, en el tiempo y en el espacio de las culturas de origen y destino, rescatadas la memoria social de las a través de la mirada única de cada individuo, que buscan la oportunidad del encuentro y del (re) descubrimiento del sí y del otro por su fuerza latente creando lazos de empatía con el espectador, en un espacio de valorización y comprensión.Participan:Artistas españoles como Pablo Lecroisey, Bárbara G. F. Muriel, Jorge Gil, Ana Marcos, Irene Cruz y Diana Coca, el argentino Fernando Maselli y la búlgara Dilyana Glogova quienes radican en España y acompañan en esta muestra artistas nacionales como José Antonio Farrera, Flor Minor, Fernando Tames, Víctor Pérez Rull, , Natasha Gray, Japan, Juan Pablo Medina, Rocío Lomelí, Francesca Della Benetta, el Colectivo PHI, Gabriel Sánchez Viveros, José Antonio Platas y Agustín Santollo y está comisariada por la española Elvira Rilova, de Acelerador de Artistas.

Origen: CCEMX

Emmanuel RazoCCEMX
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La Jornada: Art Cage muestra cómo vivir con arte contemporáneo sin ser millonario

La muestra estuvo a cargo de Martha Lozano y Juan Manuel y Emmanuel Razo Se prevé abrir la segunda edición, esta vez en una casona de la colonia Roma, del 4 al 8 de febrero

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Emmanuel RazoLa Jornada: Art Cage muestra cómo vivir con arte contemporáneo sin ser millonario
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Urbanos, en el Palomar del Minotauro – Chilango

El Palomar del Minotauro seleccionó a un grupo de artistas recorriendo diferentes talleres de arte contemporáneo para la exposición inaugural en su nueva sede.  Abraham Jiménez, Aidee Díaz de León, Cesar Córdova, Chris Castañeda, Enrique Walbey,  Fershow Escárcega, Francisco Paz, Girasol Botello, Guillermo Arreola, Jermy Clouser, José Antonio Farrera, Karla Alegría, Liliana Ang, Michelle Westholm […]

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Emmanuel RazoUrbanos, en el Palomar del Minotauro – Chilango
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NOCHE MEXICANA

No sé si la noche es una forma de lo que yo seré.
O si es un aviso de lo que debo ser…

Carlos Montemayor

Exploramos la experiencia artística desde una mirada crítica que da cuenta de los contrastes y contradicciones del México contemporáneo, es desde ese enfoque que en el palomar del Minotauro  abordamos una Noche Mexicana en donde por un lado se muestra la crudeza de la realidad que estamos viviendo y por el otro, ese sentido festivo que siempre  nos ha caracterizado.

Ante las posturas encontradas sobre los festejos del Bicentenario, aludimos al arte como el lenguaje en el que la ironía, la denuncia, el sarcasmo, el humor así como el colorido  y exaltación de lo mexicano ponen de manifiesto las lecturas contrapuestas de lo que es hoy nuestro país. En esta época en que se enaltece el nacionalismo, Noche Mexicana incorpora también la visión exterior del México actual, tal es el caso de la intervención de Misha Marks y Blair Latham, artistas  originarios de Nueva Zelanda, así como la propuesta de Fat Mariachi con su peculiar extravagancia de lo electrónico, el colorido popular de la intervención de Fershow Escárcega, lo contundente de las piezas sonoras de Roberto Ramírez y Jesús León Monroy; la fuerza introspectiva de Girasol Botello y la orquestación cuerpo, arte y movimiento de Penélope Rivera, Gerzain Noguez Agüero, Tania Tamara, Odette Paz, Carlos Saboria, Fernanda Acevedo y Eduardo Del Valle.

Una Noche Mexicana intervenida por el performance, la música, el arte sonoro, la instalación, el body painting y la fiesta popular; una relectura contemporánea en un encuentro sensorial de disfrute y reflexión.

 

Emmanuel RazoNOCHE MEXICANA
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CÁRNICA

30 de Julio a la 19:30 hrs en Dr. Mora No. 9, Azotea Centro Historico, frente a la Alameda Central

Nada habrá más triste que el sabor de las mujeres que nunca tendrás, de los hombres que perdiste por miedo, por convención, por  temor a dar el paso prohibido, por falta de imaginación, por incapacidad de transformarte, como Don Juan, en otro.

Carlos Fuentes

El palomar del Minotauro abre su espacio nuevamente al arte contemporáneo con Cárnica, muestra que reúne distintas y provocadoras interpretaciones en torno a lo erótico. Desde los altos de la gran urbe se presenta una colectiva en la que se dan cita la fotografía, la pintura, el dibujo, la escultura, el performance y la intervención.

Cárnica es un diálogo sensorial que cuestiona la noción del cuerpo como el símbolo directo del deseo y la pasión; multiplicando sus significados de acuerdo a la forma, sentido, escenarios y percepciones personalísimas de cada autor. Es la lectura de la sensualidad urbana en sus múltiples expresiones.

En esta colectiva están presentes el exhibicionismo, el fetichismo, lo clandestino; ese lado underground de la vida que pocos se atreven a explorar. Sin rubor y sin pudor, los artistas plantean el placer por el placer mismo, la libertad de lo instintivo y el valor de lo fugaz.

De igual forma, invierten la mirada erótica del cuerpo y su madurez resignificando su tiempo. Así como el contrasentido del juego y el juguete, que despojado de inocencia, deviene en fetiches del imaginario colectivo.

Cárnica cuestiona y confronta los convencionalismos sociales, lo prohibido y la doble moral. En este espacio del aquí y el ahora, la libertad se contrapone y se impone como un antídoto contra el prejuicio y la promiscuidad.

El palomar del Minotauro abre la ventana de lo íntimo a una pincelada del placer.

Emmanuel RazoCÁRNICA
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ROCÍO BOLIVER – LA CONGELADA DE UVA

ROCÍO BOLIVER – LA CONGELADA DE UVA

Si para algunos teóricos el Performance es “la más radical de las artes”, las acciones que Rocío Boliver, La Congelada de Uva, ha llevado a cabo durante más de quince años, la sitúan por sus temáticas en el ala más radical de la historia del llamado Arte del Cuerpo.

Abanderada situacionista del Epifenómeno de carácter sexual , La Congelada exhibe sin tapujos su peligrosa visión del feminismo y coloca su exótica genitalidad en el centro de su discurso.

La Congelada de Uva es un ícono perdurable de la cultura underground en la Ciudad de México. Además de ser una pieza fundamental para la plena comprensión de esta época y de dicho movimiento, es un hecho que ya le debemos el haber creado algunas de las imágenes más delirantes y provocativas en el campo del Arte.

Emmanuel RazoROCÍO BOLIVER – LA CONGELADA DE UVA
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BLANCO SOBRE BLANCO

Siempre la creación se enfrenta a la angustia de la hoja en blanco. Siempre el proceso expresivo deviene de lanzarse a un lienzo blanco para rasgarlo, a punta de dibujo y color, e inscribir así la forma y las ideas. Siempre el escenario es un gran fondo blanco donde está todo por decirse y comunicarse. En el espacio blanco es donde ocurre las cosas, la creación. En arte la emoción se escribe con grafía de pasión sobre un gran vacío que algunos aseguran es totalmente blanco. La selección de los artistas es a su vez una manera de nosotros mismos, empezar a trazar un espacio en blanco, de buscar una identidad y fundamentalmente estar con la expectativa de vanguardias que puedan estar formándose en la mirada de artistas mexicanos.

Reunidas más de 30 piezas. Se presentan: Aideé de León, Beatriz Canfield, Christian Castañeda, Girasol Botello, Lucía Vidal, Mariel Quevedo, César Córdova, César Flores, David Sefarni, Ernesto Alva, Guillermo Arreola, Hadwik Lugo, Iker Vicente, Jason Soto, como invitada especial Betsabeé Romero y con obra de Nicandro Puente, la Galería El Palomar del Minotauro despliega, en su apertura, una suerte de apuesta a escribir su versión del hecho artístico presente, en la nutrida y rica oferta cultural mexicana. Estarán sobre el muro y el piso blancos: pintura, escultura, instalación, fotografía, video, pintura mural, grafiti, neon.

Blanco sobre Blanco: es una apuesta que apunta todos sus afanes hacia el estreno de un espacio imaginario donde convergen el autor y el público; el mensaje y la necesidad de encontrar respuesta, disfrute, experiencias de goce o más interrogantes.

Huellas múltiples en color, texturas, formas, encontraremos al subir al Palomar del Minotauro. La bestia del arte contemporáneo nos aguarda. No la hagamos esperar.

Inauguración 15 de abril, a las 19:30 hrs. Dr. Mora No. 9, 4 Piso Centro Histórico, Ciudad de México.

Emmanuel RazoBLANCO SOBRE BLANCO
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