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Erik Peña – Japane

De la serie orgánica IV

Erik Peña- Japane

Erick-Peña Japane

La obra gráfica del artista emergente Erick Peña Japane (Ciudad de México, 1985) se sitúa en la herencia histórica de la abstracción geométrica y la tradición estética surrealista. Su formación autodidacta y su destreza en el grafiti, de donde proviene su pseudónimo, son esenciales para comprender los discursos artísticos que componen su práctica.

El trabajo en tiendas departamentales de Aguascalientes lo expuso a una amplia gama de materiales y formas presentes a través del collage como medio primordial de su labor como artista. De naturaleza lúdica, su necesidad de producción creativa lo ha llevado a trabajar desde los recursos más formales hasta los más inverosímiles como tablas para picar, haciendo que cada una de sus piezas se tornen ejercicios de experimentación pictórica vastos en texturas, color y forma.

Las series geométrico abstractas extienden este juego formal de construcciones espaciales a base del uso de diversas tintas y papeles que dan lugar a la edificación de entornos arquitectónicos controlados. El artista es capaz de concebir diferentes composiciones expresionistas en donde el color y la línea dialogan con el espacio en una suerte de improvisación resuelta. Esto al principio nos hace pensar que la casualidad está presente, sin embargo, al observar más detenidamente la obra, ciertos elementos formales y resoluciones estéticas denotan un estilo individual cada vez más resuelto. La presencia del dorado, por ejemplo, es recurrente como una línea que traza los múltiples patrones geométricos escondidos en la naturaleza humana y figurativa.

De la misma forma, la línea se presenta como remate ornamental de composiciones abstractas llevando siempre al ojo del espectador alrededor de la obra. En Geometrías Urbanas, 4, 10 y 11 es esta línea dorada la que, de manera sutil y casi imperceptible, delimita los contornos de los collages geométricos. Asimismo, las imágenes surgen y se forman a partir de los elementos visuales tradicionales pero modificados por el elemento permanente en dichas composiciones: el plano arquitectónico. Las Geometrías Urbanas nos remontan a pensar desde diseños de tuberías hasta ciudades, siempre manteniendo una solidez gráfica en el uso de las texturas que dan diferentes profundidades, tonalidades rojas, azules o verdes que van modificando las sombras y juegos de luces que transforman el espacio bidimensional en el que se forjan. Los ejercicios pictóricos de los collages De la Serie Nuevos Significados, Tapiz 1 – Tapiz 2 y Tapiz 3 expresan un carácter de experimental entre la formalidad de lo editorial y escenarios cuasi surrealistas. Las figuras antropomorfas, tomadas en su mayoría de publicaciones de moda, son la base de una evolución gráfica que las transforma en escenarios pictóricos extendidos.

Geometrías Urbanas 11

Geometrías Urbanas 11
Collage, Tinta / papel
4cm x 58 cm
Catálogo: JP-42

Las imágenes que observamos fungen como punto de partida de una composición que se amplifica con una serie de elementos abstractos y ornamentales en su mayoría geométricos. En todas sus composiciones, la atención al detalle exige la contemplación de su audiencia en una suerte de equilibro de fuerzas entre todos los elementos pictóricos, abstractos y figurativos en el espacio. De la misma forma, las piezas que componen De la Serie Orgánica V llevan a un siguiente nivel el trabajo figurativo del artista en el que, a través de dibujo y algunos recortes de publicaciones, figurines que asemejan a maniquíes u otras siluetas orgánico-mecánicas establecen un diálogo no solo entre dichos elementos sino también entre dinámicas de la historia del arte que siguen tradiciones tanto escultóricas como pictóricas, y que remontan desde artistas como Hans Arp, René Magritte o Salvador Dalí hasta Francis Bacon. Estas tensiones dan como resultado escenarios oníricos que se ajustan a las necesidades creativas del artista al mismo tiempo que van generando utopías visuales atractivas y enigmáticas.

Emmanuel RazoErik Peña – Japane
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Nicandro, 12 años después

Nicandro Puente trabajó bajo la incidencia social y su propio contexto histórico haciendo un esfuerzo predominante por modificar la escena urbana y empleando al arte como motor de cambio. El pasar del tiempo nunca fue un tema que le inquietara y por lo mismo jamás creyó que le detendría su andar aquél agosto de 2005 cuando apenas tenía 52 años.

 

Sensible a la problemática social y firme instigador de las interrogantes existenciales del individuo, abordó en su obra temas tan vigentes que hoy podemos ver reflejados en cualquiera de sus “Rostros de la Angustia”, al quedar mudos intentando encontrar respuesta a tantas de sus inquietudes sobre la fragmentación de identidad, la reconstrucción urgente del tejido social, el avance tecnológico y la consignación del extravío del hombre contemporáneo, entre otras tantas interrogantes que se encuentran, bajo una genuina sutileza estética, entre el color y la forma de la obra.

 

Los murales que realizó se ven agotados por las inclemencias, enfrentando los retos del tiempo y el olvido. Al frente de la Red Urbana de Muralismo Comunitario, Puente realizó los murales “Tlatelolco, raíz y expresión de México” (1998), “Homenaje a la mujer” (1999), “1985 Sismo y resurrección” (2000) que nos llevan a inspeccionar su cosmogonía creativa.  El apreciar su estado actual nos exige sumarnos a la búsqueda de una solución para la recuperación de estas piezas de gran formato y símbolos de identidad para ya varias generaciones.

 

Así pues, adicional a dar vigencia a la obra, esta exposición tiene como fin recaudar fondos para financiar los procesos de conservación del acervo del artista y para iniciar gestiones para la recuperación de los murales. Estamos convencidos de que es imposible dejar que se pierdan ante una ignominiosa inactividad y solo mirar con rostro de angustia como se diluye en el tiempo.

 

Emmanuel Razo

Emmanuel RazoNicandro, 12 años después
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Rostros de la Angustia

NICANDRO PUENTE. DE LA SERIE ROSTROS DE LA ANGUSTIA

Julio Verne 14 Sala Felisa Román, Col. Polanco CDMX

Rostros de la Angustia de Nicandro Puente

“El arte evoca el misterio, sin el cual el mundo no existiría.”

René Magritte

 

La obra de Nicandro Puente (1953-2005) se sitúa dentro de las tendencias de figuración expresiva, es decir, exprime los límites de la representación humana mientras explora sus sentimientos y emociones por medio de la pintura y el dibujo. Los personajes que se desarrollan en sus composiciones y universos gráficos toman vida a través del uso del color y la forma: “la fuente básica de motivos y sensaciones para el ejercicio plástico lo constituye el contexto y la incidencia de sus actores” escribe el artista en sus notas.

 

A primera impresión, es difícil distinguir la angustia en la serie homónima de retratos del pintor tamaulipeco. La figura como el elemento básico de expresión plástica además de la selección de colores y composición geométrica es armónica e incluso positiva en su recepción; sin embargo, en cuanto se hace un ejercicio de observación minuciosa, se torna incuestionable que cada uno de estos rostros han sido silenciados en un acto de censura y sensibilización artística como respuesta a los acontecimientos que tuvieron lugar en México entre 1994 y 2000 cuando fueron realizados. Ya sea con un fin de regeneración social o como medio crítico, el comentario nacional y político directo está presente en toda la obra de Puente.

 

La herencia histórico artística que nutre a los Rostros proviene de una mezcla de la estética del surrealismo internacional y el muralismo mexicano sin dejar de lado las citas a la forma escultórica clásica. Las referencias figurativas de la práctica de artistas como René Magritte, Max Ernst o Salvador Dalí de la mano de las texturas de Diego Rivera o David Alfaro Siqueiros son evidentes en la paleta de colores y las implicaciones de los personajes representados.

 

Lo mecánico, lo racional y lo onírico se transmite de igual forma a través de la serie de dibujos preparatorios que complementan la carga energética y misteriosa de la serie.  “Rostros de la angustia” tiene la grandeza de crear un soliloquio en la búsqueda de respuesta a los más grandes paradigmas de la existencia humana: su presente y su mirada hacia el futuro.

 

Alberto Ríos de la Rosa.


El autor es  maestro en Historia del Arte por The Courtauld Institute of Art en Londres y curador de Fundación Casa Wabi donde desarrolla los proyectos de residencies y exposiciones en sus tres sedes Anteriormente trabajó en el equipo curatorial del Museo Tamayo en México, el Minneapolis Institute of Art y Peggy Guggenheim Collection en Venecia. Además escribe de forma periódica en publicaciones como Horizontal, Arquine, La Tempestad, entre otras

 

Emmanuel RazoRostros de la Angustia
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“ENTRE LÍNEAS” UNA ALTERNATIVA AFANOSA Y SUI GENERIS.

 

“ENTRE LÍNEAS” UNA ALTERNATIVA AFANOSA Y SUI GENERIS.

En la sala Felisa Román, adjunta a una reconocida galería de la calle Julio Verne en Polanco, se descubre un ensayo expositivo que explora la obra de jóvenes artistas de México y Bulgaria, todos bajo un tema central: la abstracción geométrica. “Entre Líneas” es una exposición organizada por la iniciativa Art Cage, la cual está enfocada en la promoción y desarrollo de plataformas para nuevos artistas al mismo tiempo que pretende instaurar distintas formas de coleccionismo en la ciudad.

Dos grabados de las Series del Desierto del artista Ernesto Alva (Ciudad de México, 1982) funcionan como introducción al cuerpo general de la muestra. El artista denota un particular interés por el detalle en la línea al mismo tiempo que evidencia un enfoque en la técnica que no está lejos de lo exquisito. Lo que puede parecer un caos contenido a primera vista, rápidamente se convierte en la prueba de un manejo de materiales, luz y técnicas mixtas que genera una estética funcional que apenas puede ser controlada por la selección del título. La aproximación a la abstracción geométrica se torna poética en el manejo de lo abstracto por Alva y en el propio acto de dibujar con el tríptico Fracción-transformación, el cual manifiesta una obsesión por el trazo como herramienta para la construcción de un discurso estético: el del proceso como acto liberador.

Puesta de manera frontal, la obra del artista Rubén Morales Lara (Ciudad de México, 1978) dialoga con la de Alva en el manejo del espacio y el volumen, y contrasta en la creación de referencias comunes en el paisaje urbano. Inestable No. 6 y Construcción de espacios irregulares son dos dibujos que asemejan estudios para esculturas modernistas bloqueados por una mácula rectangular negra en la parte inferior, como si esas esculturas estuvieran predeterminadas a ser asediadas por algún elemento urbano desde su concepción en el boceto. La referencia visual y arquitectónica a proyectos como la Ruta de la Amistad, las Torres de Satélite o el Pabellón El Eco es inevitable, todas modificadas por el propio contexto arquitectónico y urbano que las rodea.

Las texturas de la calle son fuente de inspiración para Morales Lara en el díptico Construcción de espacios irregulares 2016, en las que dos paneles de gran formato divisan diferentes texturas monocromáticas que asemejan diversos volúmenes y estructuras familiares en el vaivén diario de esta ciudad. El manejo del espacio y las geometrías son bloqueados de nueva cuenta por grandes masas de pintura en ambos paneles.

Autodidacta de formación, el artista mexicano Japane muestra un conjunto de 9 collages divididos en tres series temáticas que abarcan una amplia gama de elementos visuales que van desde la estética editorial hasta la abstracción completa de la línea y el color. Profundamente influenciados por su trabajo en tiendas departamentales de la Ciudad, así como su práctica en el grafiti, los collages De la Serie Nuevos Significados, Tapiz 1 – Tapiz 2 y Tapiz 3 funcionan como ejercicios casi pictóricos en los que la silueta humana tomada de revistas de moda es extendida en el embelesamiento geométrico. Sin embargo, son las piezas Geometrías Urbanas, 4, 10 y 11 que muestran una solidez gráfica en el uso de la línea, la selección de los materiales y colores, y la madurez en el detalle.

SI bien la muestra puede contenerse en el número de piezas expuestas y su distribución, “Entre líneas” se presenta como una alternativa afanosa y sui generis, diferente de la oferta tradicional del arte contemporáneo local, dándole cabida a talentos emergentes y en crecimiento en un espacio poco tradicional pero razonablemente presentado.

 

Emmanuel Razo“ENTRE LÍNEAS” UNA ALTERNATIVA AFANOSA Y SUI GENERIS.
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