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Nicandro, 12 años después

Nicandro Puente trabajó bajo la incidencia social y su propio contexto histórico haciendo un esfuerzo predominante por modificar la escena urbana y empleando al arte como motor de cambio. El pasar del tiempo nunca fue un tema que le inquietara y por lo mismo jamás creyó que le detendría su andar aquél agosto de 2005 cuando apenas tenía 52 años.

 

Sensible a la problemática social y firme instigador de las interrogantes existenciales del individuo, abordó en su obra temas tan vigentes que hoy podemos ver reflejados en cualquiera de sus “Rostros de la Angustia”, al quedar mudos intentando encontrar respuesta a tantas de sus inquietudes sobre la fragmentación de identidad, la reconstrucción urgente del tejido social, el avance tecnológico y la consignación del extravío del hombre contemporáneo, entre otras tantas interrogantes que se encuentran, bajo una genuina sutileza estética, entre el color y la forma de la obra.

 

Los murales que realizó se ven agotados por las inclemencias, enfrentando los retos del tiempo y el olvido. Al frente de la Red Urbana de Muralismo Comunitario, Puente realizó los murales “Tlatelolco, raíz y expresión de México” (1998), “Homenaje a la mujer” (1999), “1985 Sismo y resurrección” (2000) que nos llevan a inspeccionar su cosmogonía creativa.  El apreciar su estado actual nos exige sumarnos a la búsqueda de una solución para la recuperación de estas piezas de gran formato y símbolos de identidad para ya varias generaciones.

 

Así pues, adicional a dar vigencia a la obra, esta exposición tiene como fin recaudar fondos para financiar los procesos de conservación del acervo del artista y para iniciar gestiones para la recuperación de los murales. Estamos convencidos de que es imposible dejar que se pierdan ante una ignominiosa inactividad y solo mirar con rostro de angustia como se diluye en el tiempo.

 

Emmanuel Razo

Emmanuel RazoNicandro, 12 años después
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Rostros de la Angustia

NICANDRO PUENTE. DE LA SERIE ROSTROS DE LA ANGUSTIA

Julio Verne 14 Sala Felisa Román, Col. Polanco CDMX

Rostros de la Angustia de Nicandro Puente

“El arte evoca el misterio, sin el cual el mundo no existiría.”

René Magritte

 

La obra de Nicandro Puente (1953-2005) se sitúa dentro de las tendencias de figuración expresiva, es decir, exprime los límites de la representación humana mientras explora sus sentimientos y emociones por medio de la pintura y el dibujo. Los personajes que se desarrollan en sus composiciones y universos gráficos toman vida a través del uso del color y la forma: “la fuente básica de motivos y sensaciones para el ejercicio plástico lo constituye el contexto y la incidencia de sus actores” escribe el artista en sus notas.

 

A primera impresión, es difícil distinguir la angustia en la serie homónima de retratos del pintor tamaulipeco. La figura como el elemento básico de expresión plástica además de la selección de colores y composición geométrica es armónica e incluso positiva en su recepción; sin embargo, en cuanto se hace un ejercicio de observación minuciosa, se torna incuestionable que cada uno de estos rostros han sido silenciados en un acto de censura y sensibilización artística como respuesta a los acontecimientos que tuvieron lugar en México entre 1994 y 2000 cuando fueron realizados. Ya sea con un fin de regeneración social o como medio crítico, el comentario nacional y político directo está presente en toda la obra de Puente.

 

La herencia histórico artística que nutre a los Rostros proviene de una mezcla de la estética del surrealismo internacional y el muralismo mexicano sin dejar de lado las citas a la forma escultórica clásica. Las referencias figurativas de la práctica de artistas como René Magritte, Max Ernst o Salvador Dalí de la mano de las texturas de Diego Rivera o David Alfaro Siqueiros son evidentes en la paleta de colores y las implicaciones de los personajes representados.

 

Lo mecánico, lo racional y lo onírico se transmite de igual forma a través de la serie de dibujos preparatorios que complementan la carga energética y misteriosa de la serie.  “Rostros de la angustia” tiene la grandeza de crear un soliloquio en la búsqueda de respuesta a los más grandes paradigmas de la existencia humana: su presente y su mirada hacia el futuro.

 

Alberto Ríos de la Rosa.


El autor es  maestro en Historia del Arte por The Courtauld Institute of Art en Londres y curador de Fundación Casa Wabi donde desarrolla los proyectos de residencies y exposiciones en sus tres sedes Anteriormente trabajó en el equipo curatorial del Museo Tamayo en México, el Minneapolis Institute of Art y Peggy Guggenheim Collection en Venecia. Además escribe de forma periódica en publicaciones como Horizontal, Arquine, La Tempestad, entre otras

 

Emmanuel RazoRostros de la Angustia
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“ENTRE LÍNEAS” UNA ALTERNATIVA AFANOSA Y SUI GENERIS.

 

“ENTRE LÍNEAS” UNA ALTERNATIVA AFANOSA Y SUI GENERIS.

En la sala Felisa Román, adjunta a una reconocida galería de la calle Julio Verne en Polanco, se descubre un ensayo expositivo que explora la obra de jóvenes artistas de México y Bulgaria, todos bajo un tema central: la abstracción geométrica. “Entre Líneas” es una exposición organizada por la iniciativa Art Cage, la cual está enfocada en la promoción y desarrollo de plataformas para nuevos artistas al mismo tiempo que pretende instaurar distintas formas de coleccionismo en la ciudad.

Dos grabados de las Series del Desierto del artista Ernesto Alva (Ciudad de México, 1982) funcionan como introducción al cuerpo general de la muestra. El artista denota un particular interés por el detalle en la línea al mismo tiempo que evidencia un enfoque en la técnica que no está lejos de lo exquisito. Lo que puede parecer un caos contenido a primera vista, rápidamente se convierte en la prueba de un manejo de materiales, luz y técnicas mixtas que genera una estética funcional que apenas puede ser controlada por la selección del título. La aproximación a la abstracción geométrica se torna poética en el manejo de lo abstracto por Alva y en el propio acto de dibujar con el tríptico Fracción-transformación, el cual manifiesta una obsesión por el trazo como herramienta para la construcción de un discurso estético: el del proceso como acto liberador.

Puesta de manera frontal, la obra del artista Rubén Morales Lara (Ciudad de México, 1978) dialoga con la de Alva en el manejo del espacio y el volumen, y contrasta en la creación de referencias comunes en el paisaje urbano. Inestable No. 6 y Construcción de espacios irregulares son dos dibujos que asemejan estudios para esculturas modernistas bloqueados por una mácula rectangular negra en la parte inferior, como si esas esculturas estuvieran predeterminadas a ser asediadas por algún elemento urbano desde su concepción en el boceto. La referencia visual y arquitectónica a proyectos como la Ruta de la Amistad, las Torres de Satélite o el Pabellón El Eco es inevitable, todas modificadas por el propio contexto arquitectónico y urbano que las rodea.

Las texturas de la calle son fuente de inspiración para Morales Lara en el díptico Construcción de espacios irregulares 2016, en las que dos paneles de gran formato divisan diferentes texturas monocromáticas que asemejan diversos volúmenes y estructuras familiares en el vaivén diario de esta ciudad. El manejo del espacio y las geometrías son bloqueados de nueva cuenta por grandes masas de pintura en ambos paneles.

Autodidacta de formación, el artista mexicano Japane muestra un conjunto de 9 collages divididos en tres series temáticas que abarcan una amplia gama de elementos visuales que van desde la estética editorial hasta la abstracción completa de la línea y el color. Profundamente influenciados por su trabajo en tiendas departamentales de la Ciudad, así como su práctica en el grafiti, los collages De la Serie Nuevos Significados, Tapiz 1 – Tapiz 2 y Tapiz 3 funcionan como ejercicios casi pictóricos en los que la silueta humana tomada de revistas de moda es extendida en el embelesamiento geométrico. Sin embargo, son las piezas Geometrías Urbanas, 4, 10 y 11 que muestran una solidez gráfica en el uso de la línea, la selección de los materiales y colores, y la madurez en el detalle.

SI bien la muestra puede contenerse en el número de piezas expuestas y su distribución, “Entre líneas” se presenta como una alternativa afanosa y sui generis, diferente de la oferta tradicional del arte contemporáneo local, dándole cabida a talentos emergentes y en crecimiento en un espacio poco tradicional pero razonablemente presentado.

 

Emmanuel Razo“ENTRE LÍNEAS” UNA ALTERNATIVA AFANOSA Y SUI GENERIS.
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El palomar del minotauro

EL PALOMAR DEL MINOTAURO INICIA NUEVA SERIE DE EXPOSICIONES.

 

Incentivar el coleccionismo, fomentar la adquisición de obra, crear nuevos públicos y, a la vez, promover a artistas emergentes y en crecimiento, bajo directrices que rompen con los esquemas tradicionales, son las premisas bajo las cuales hace siete años surgió El Palomar del Minotauro.

Se trata de una galeria cuya peculiaridad es la temporalidad de las exposiciones, definitivamente más breve de lo ordinario. Alejada de los cánones tradicionales que rigen a otros espacios, El Palomar del Minotauro busca dinamizar la oferta creativa, promover las propuestas de un mayor número de artistas y satisfacer la demanda de un público ávido de conocer nuevas expresiones de las artes visuales.

Tras una breve pausa, con nuevas expresiones  El Palomar del Minotauro vuelve con una nueva propuesta, y una nueva sede: la Sala Felisa Román de Julio Verne No. 14, en Polanco.

En este espacio se arropará a artistas en crecimiento, emergentes, nacionales y extranjeros, cuyo punto de inspiración se origina en una visión temporal que provoca testimonios de una generación enfrentada a nuevos retos e intereses.

Emmanuel RazoEl palomar del minotauro
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CCEMX

Crédito de la foto: Todos somos doctores de Pablo LecroiseyNudo Interior muestra el registro, investigación e inspiración creativa que parte de los diferentes elementos que confluyen en toda construcción o relato biográfico, como son la infancia, los lugares y espacios en los que se vive, el viaje, el recuerdo y la memoria, las expectativas, las relaciones que se traban a lo largo de la vida, las circunstancias personales, la familia, pero también la forja de la identidad, los sentimientos, la personalidad propia.Este viaje a través de más 200 piezas plásticas, descubre la figura del creador que construye su auténtica personalidad mientras trabaja sobre su obra. Influenciado, eso sí, por sus propias circunstancias vitales, pero en definitiva una identidad individual reelaborada libremente a través de ciertos elementos de su biografía y su yo interno, -que intenta alejarse del contexto que lo rodea para bucear en su intimidad- y que es capaz de construir una memoria colectiva para el espectador que lo contempla, a través de la expresión del arte y las formas.Así pues, los creadores que participan en esta exposición han indagado en ese mar profundo del que han extraído sustento: introspección, negación a sí mismo para después reconstruirse con sus propios apetitos, revisitar espacios y lugares vividos, exploración de los rincones del alma, análisis autobiográfico, ruptura de nudos interiores, con el fin de representar artísticamente su constelación de creencias, sentimientos, imágenes y reglas, es decir de plasmar sus propias mitología personales.Y el resultado, los trabajos que podremos contemplar en Nudo Interior, son obras reconstruidas con la perspectiva de la identidad actual, resignificadas y encajadas en la historia colectiva, en el tiempo y en el espacio de las culturas de origen y destino, rescatadas la memoria social de las a través de la mirada única de cada individuo, que buscan la oportunidad del encuentro y del (re) descubrimiento del sí y del otro por su fuerza latente creando lazos de empatía con el espectador, en un espacio de valorización y comprensión.Participan:Artistas españoles como Pablo Lecroisey, Bárbara G. F. Muriel, Jorge Gil, Ana Marcos, Irene Cruz y Diana Coca, el argentino Fernando Maselli y la búlgara Dilyana Glogova quienes radican en España y acompañan en esta muestra artistas nacionales como José Antonio Farrera, Flor Minor, Fernando Tames, Víctor Pérez Rull, , Natasha Gray, Japan, Juan Pablo Medina, Rocío Lomelí, Francesca Della Benetta, el Colectivo PHI, Gabriel Sánchez Viveros, José Antonio Platas y Agustín Santollo y está comisariada por la española Elvira Rilova, de Acelerador de Artistas.

Origen: CCEMX

Emmanuel RazoCCEMX
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La Jornada: Art Cage muestra cómo vivir con arte contemporáneo sin ser millonario

La muestra estuvo a cargo de Martha Lozano y Juan Manuel y Emmanuel Razo Se prevé abrir la segunda edición, esta vez en una casona de la colonia Roma, del 4 al 8 de febrero

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Emmanuel RazoLa Jornada: Art Cage muestra cómo vivir con arte contemporáneo sin ser millonario
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Urbanos, en el Palomar del Minotauro – Chilango

El Palomar del Minotauro seleccionó a un grupo de artistas recorriendo diferentes talleres de arte contemporáneo para la exposición inaugural en su nueva sede.  Abraham Jiménez, Aidee Díaz de León, Cesar Córdova, Chris Castañeda, Enrique Walbey,  Fershow Escárcega, Francisco Paz, Girasol Botello, Guillermo Arreola, Jermy Clouser, José Antonio Farrera, Karla Alegría, Liliana Ang, Michelle Westholm […]

Origen: Urbanos, en el Palomar del Minotauro – Chilango

 

Emmanuel RazoUrbanos, en el Palomar del Minotauro – Chilango
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CÁRNICA

30 de Julio a la 19:30 hrs en Dr. Mora No. 9, Azotea Centro Historico, frente a la Alameda Central

Nada habrá más triste que el sabor de las mujeres que nunca tendrás, de los hombres que perdiste por miedo, por convención, por  temor a dar el paso prohibido, por falta de imaginación, por incapacidad de transformarte, como Don Juan, en otro.

Carlos Fuentes

El palomar del Minotauro abre su espacio nuevamente al arte contemporáneo con Cárnica, muestra que reúne distintas y provocadoras interpretaciones en torno a lo erótico. Desde los altos de la gran urbe se presenta una colectiva en la que se dan cita la fotografía, la pintura, el dibujo, la escultura, el performance y la intervención.

Cárnica es un diálogo sensorial que cuestiona la noción del cuerpo como el símbolo directo del deseo y la pasión; multiplicando sus significados de acuerdo a la forma, sentido, escenarios y percepciones personalísimas de cada autor. Es la lectura de la sensualidad urbana en sus múltiples expresiones.

En esta colectiva están presentes el exhibicionismo, el fetichismo, lo clandestino; ese lado underground de la vida que pocos se atreven a explorar. Sin rubor y sin pudor, los artistas plantean el placer por el placer mismo, la libertad de lo instintivo y el valor de lo fugaz.

De igual forma, invierten la mirada erótica del cuerpo y su madurez resignificando su tiempo. Así como el contrasentido del juego y el juguete, que despojado de inocencia, deviene en fetiches del imaginario colectivo.

Cárnica cuestiona y confronta los convencionalismos sociales, lo prohibido y la doble moral. En este espacio del aquí y el ahora, la libertad se contrapone y se impone como un antídoto contra el prejuicio y la promiscuidad.

El palomar del Minotauro abre la ventana de lo íntimo a una pincelada del placer.

Emmanuel RazoCÁRNICA
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ROCÍO BOLIVER – LA CONGELADA DE UVA

ROCÍO BOLIVER – LA CONGELADA DE UVA

Si para algunos teóricos el Performance es “la más radical de las artes”, las acciones que Rocío Boliver, La Congelada de Uva, ha llevado a cabo durante más de quince años, la sitúan por sus temáticas en el ala más radical de la historia del llamado Arte del Cuerpo.

Abanderada situacionista del Epifenómeno de carácter sexual , La Congelada exhibe sin tapujos su peligrosa visión del feminismo y coloca su exótica genitalidad en el centro de su discurso.

La Congelada de Uva es un ícono perdurable de la cultura underground en la Ciudad de México. Además de ser una pieza fundamental para la plena comprensión de esta época y de dicho movimiento, es un hecho que ya le debemos el haber creado algunas de las imágenes más delirantes y provocativas en el campo del Arte.

Emmanuel RazoROCÍO BOLIVER – LA CONGELADA DE UVA
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BLANCO SOBRE BLANCO

Siempre la creación se enfrenta a la angustia de la hoja en blanco. Siempre el proceso expresivo deviene de lanzarse a un lienzo blanco para rasgarlo, a punta de dibujo y color, e inscribir así la forma y las ideas. Siempre el escenario es un gran fondo blanco donde está todo por decirse y comunicarse. En el espacio blanco es donde ocurre las cosas, la creación. En arte la emoción se escribe con grafía de pasión sobre un gran vacío que algunos aseguran es totalmente blanco. La selección de los artistas es a su vez una manera de nosotros mismos, empezar a trazar un espacio en blanco, de buscar una identidad y fundamentalmente estar con la expectativa de vanguardias que puedan estar formándose en la mirada de artistas mexicanos.

Reunidas más de 30 piezas. Se presentan: Aideé de León, Beatriz Canfield, Christian Castañeda, Girasol Botello, Lucía Vidal, Mariel Quevedo, César Córdova, César Flores, David Sefarni, Ernesto Alva, Guillermo Arreola, Hadwik Lugo, Iker Vicente, Jason Soto, como invitada especial Betsabeé Romero y con obra de Nicandro Puente, la Galería El Palomar del Minotauro despliega, en su apertura, una suerte de apuesta a escribir su versión del hecho artístico presente, en la nutrida y rica oferta cultural mexicana. Estarán sobre el muro y el piso blancos: pintura, escultura, instalación, fotografía, video, pintura mural, grafiti, neon.

Blanco sobre Blanco: es una apuesta que apunta todos sus afanes hacia el estreno de un espacio imaginario donde convergen el autor y el público; el mensaje y la necesidad de encontrar respuesta, disfrute, experiencias de goce o más interrogantes.

Huellas múltiples en color, texturas, formas, encontraremos al subir al Palomar del Minotauro. La bestia del arte contemporáneo nos aguarda. No la hagamos esperar.

Inauguración 15 de abril, a las 19:30 hrs. Dr. Mora No. 9, 4 Piso Centro Histórico, Ciudad de México.

Emmanuel RazoBLANCO SOBRE BLANCO
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